Пластинка будет называться «Перверзии» — ну просто как роман Юрия Андруховича. Солист группы Александр Ярмола объясняет собственную версию этого слова — «искажения».

Первоначально альбом планировали окрестить «Нет хлеба — пой», по названию одной из композиций. Но после того как все семь «гайдамаков» перечитали роман Андруховича, название изменили. Говорят, писателю идея понравилась, он с радостью воспринял предложение «Гайдамак» и даже написал сценарий к клипа на песню «Любовь», в котором главную героиню зовут Ада — так же, как и незабываемую Аду Цитрин с Юрьева романа.

О «Любовь» и о самих «Гайдамак» мы говорили с Александром Ярмолой в воспетом им «селе край Богуслава» — Розкопанци.

Здесь фронтмен имеет небольшой и очень старый дом-мазанку, построенную еще в 1917 году. Его мать накормила нас вкусным обедом, и пока остальные «гайдамаков» учили новые партии, Саша поделился собственной философией жизни, размышлениями об украинском шоу-бизнесе и законы политики.
«Музыканты должны влюбиться друг в друга с первых репетиций»

— Саша, прошлое лето для «Гайдамак» было действительно жарким. Сначала фестиваль в Эстонии, затем — «Страна мечты», Шешоры, польский «Пшистанек Вудсток» и тур Польшей. Даже в село вы приехали для того, чтобы репетировать. Такой же стала и осень — выход альбома, съемки клипа. Когда и где вы отдыхаете?

— У нас есть четыре стратегические точки, где мы отдыхаем и работаем — играем в акустике. Это — Богуслав, Монастирийськ, Григорьевка и Мотыжин — живописные украинские села. Мы отдыхаем так, как сейчас — с инструментами.

— Вы гастролируете преимущественно за рубежом. Не обижает, что в Украине вас воспринимают не с такими широкими объятиями?

— Я не думаю, что нас здесь меньше знают, чем там.

— Практически все «Гайдамаки» имеют консерваторским образованием. Знаете ли вы другие украинские группы, которые имеют музыкантов такого уровня?

— Музыкантов такого уровня, как наш аккордеонист Иван Леньо — лауреат многих международных конкурсов, и трубач Евгений Дидык, который ранее играл в Zdob Si Zdub, пожалуй, украинские группы не имеют. Но музыка — это не спорт. Важно гармоничное сочетание всех музыкантов в одно целое. Создание любой рок-группы в Украине, к сожалению, происходит по одной схеме. Сначала лидер-вокалист пишет тексты и уже потом подбирает музыкантов (из того, что найдет), которые, как правило, соглашаются играть, потому что есть возможность заработать деньги, а уже потом они «въезжают» в то, чем занимаются. Мы сторонники другого способа, но тут без судьбы или случая не обойтись: это когда вокалист наталкивается на музыкантов высокого уровня, и они влюбляются друг в друга почти с первых репетиций. В дальнейшем процесс создания песни идет по принципу, когда каждого музыканта в песне есть поровну. Как пример — Red hot chilly papers, Led Zeppelin, Doors и т.д. У нас же все хорошо знают имена солистов, но никто, кроме фанатов, не представляет, кто играет на басе, барабанах, гитаре, скрипке или аккордеоне. Здесь есть централизация. И это даже видно при распределении гонораров за концерт, когда лидер получает 50 процентов, остальные ребята — остальные 50. Или когда кому из вокалистов дают звание «заслуженного артиста Украины», а на остальных музыкантов не обращают внимания. В конце концов, ребята сами виноваты в том, что воспитали своих лидеров.

— Как родилась идея сотрудничества с Андруховичем?

— Когда полюбился автор, то возникает вопрос — кто он, где живет и чем дышит. Мы позвонили ему в Ивано-Франковск, и его жена сказала, что сейчас он в Берлине. Тогда мы связались по электронной почте, и оказалось, что мы с ним давние друзья, только заочно.

— А что такое любовь для «Гайдамак»?

— Любовь для «Гайдамаки» — это наиболее важная энергия жизни. Думаю, любовь — это сочувствие, а любовь — страсть. Все «Гайдамаки» живут любовью. К сожалению, существует диспропорция между понятиями «любовь» и «брак». Однажды вступив в брак, ты подписываешь контракт на вечность вперед. А это — очень сложная и, по моему мнению, безнадежное дело. Нельзя обещать одному человеку, что ты всю жизнь будешь ей верен. Случается много красивых женщин, которые влияют на тебя и становятся с тобой одним целым. Я бы хотел, чтобы не было необходимости делать выбор между людьми, которых любишь. От любви рождается дети, которых ты также должен любить и заботиться о них.

— Чем ваш третий альбом будет отличаться от предыдущих? Насколько известно, «Гайдамаки» не повторяются...

— Он больше сбит к единой цели, к единому стилю. Когда-то наш стиль назвали «Карпатиана-ская», но, я думаю, это очень узкое определение. Есть «гайдамацкий» стиль, но дать ему какое-то конкретное определение трудно даже мне...

— Однажды в прямом эфире одного музыкального телеканала вы сказали, что этот канал, мягко говоря, вам не нравится. С тех пор там не увидишь ваших клипов, не услышишь о вас в новостях. Вы не боитесь остаться вне правил игры в шоу-бизнес?

— В Украине никакого шоу-бизнеса нет, а говорить правду — это одна из наших обязанностей. Это то, что не мешало бы делать всем. Понимаете, я не хочу быть каким Че Геварой, но ведь надо кому-то начинать.

— Часто для того, чтобы исполнителям попасть на международные фестивали, необходима государственная поддержка. Имеете ли вы какую-то помощь от власти?

— Пока нам новая власть не оказала поддержки, но и старая не предоставляла. Кажется, что сейчас власти самой нужна поддержка...

Из многочисленных интервью Мела Гибсона становится понятным, что режиссер особо не занимается критикой своего фильма ни со стороны ученых-историков, ни со стороны индейцев. Допускаю, что некоторым из зрителей тоже безразлично, чем в действительности погиб наиболее развитые цивилизация американского континента, которая просуществовала более трех тысяч лет, охватывая территорию нынешней Гватемалы и Мексики, Гондураса и Сальвадора.

Один мой знакомый на вопрос о его впечатлениях от фильма «Apocalypto» сказал: «Класс, я люблю такое кино. Недавно смотрел 24 часа (без перерыва) фильм «Чингисхан»». «Невероятно, как ты смог выдержать?» — Поинтересовался. «Ничего, — ответил он, — большая банка пива и две пачки сигарет ...» Без комментариев.

Вспоминаю свой просмотр киноленты «Полет над гнездом кукушки» режиссера Милоша Формана. Постоянный психологическое напряжение и концентрация предчувствий тревоги в зрительном зале, кульминационный бунт главного героя ленты против несправедливости и несвободы, будто выдернутая чека гранаты, вызвали в моей душе такой вулкан эмоций, неожиданно для самого себя я вскочил с кресла и что-то закричал прямо в экран. Незнакомая женщина, которая сидела рядом, повисла у меня на локте и испуганно умоляла: «Мужчина! Сядьте! Я вас прошу. На вас все смотрят ». И добавила: «Это же просто кино!».

Да! «Apocalypto» — просто кино, и далеко не шедевр — это если оценивать. Его сила — в зрелищном размаха и колоритной демонстрации экзотики майя. Заслуживает внимания также отличная операторское мастерство и талантливо сыграна роль Лапы Ягуара (Руди Янгблад). Что касается аналогии с фильмом «Полет над гнездом кукушки», то она видится лишь в одном, да и то чисто условно: в обоих фильмах отчетливо доминирует мощный протест против порабощения и рабства человека во всех его формах. Однако, несомненно, масштабы и проявления этого протеста является несопоставимы.

Эпиграфом к фильму «Apocalypto» стал тезис известного историка культуры и философии Вила Дюранта: «Великую цивилизацию не покорить извне, пока она не разрушит себя изнутри». Обидно, что режиссер, задекларировав истинное отражение средствами кино истории майя, допустил множество ошибок. Прежде всего это касается гипер-трофованого изображения ритуальных жертвоприношений и каннибализма. Вторичность режиссерских задумок Мела Гибсона легко заметить в нескольких эпизодах. Например, метод убийства врага в лесу с помощью орудия — заостренных кольев, способных пронзить насквозь жертву, — является модифицированной калькой из фильма «Рэмбо. Первая кровь ». Кажется, что Мел Гибсон, копируя «Рембо», ставил целью просто шокировать зрителя чрезмерной жестокостью и кровожадностью. Слишком фальшиво изображены в ленте поединок Лапы Ягуара с черной пантерой, которую режиссер почему лишил природных инстинктов, например, инстинкта самосохранения. Пантера больше похожа на виртуальных хищников, заимствованных из мультфильмов и компьютерных игр. Это огорчает, как и множество других голливудских штампов, ушить грубыми нитями в полотно картины. Сознательный зритель все равно не поверит в нечеловеческую способность главного героя: бегать со скоростью спринтера, лазить по деревьям, преодолевать бескрайние джунгли, водопады и болота. И все это — после двух ранений, одно из которых — сквозное, в печень.

Коротко — о сюжете фильма. Охотничье племя индейцев живет в лесу по законам предков и искренне верит, что так будет всегда. Однако агрессивные воины из города приходят в лес за пленниками, чтобы продать их в рабство или ритуально убить на милость богов, которые наслали болезни и неурожай. Жестокий, трагический конфликт. Кстати, как известно, во всех империях города и храмы строили в основном рабы и пленные Во времена Киевской Руси — тоже. В этом Гибсон ничего нового не открывает. Отдельно развивается сюжетная линия молодом охотнике Лапы Ягуара и его семьи. После драматической разлуки они борются за выживание наперекор всему, в обстоятельствах, когда страх, который прозябает в человеке и вот-вот овладеет всем организмом, перевесит внешние угрозы. Неуничтожимость надежд и чаяний главного героя, невероятные, порой фантастические усилия его воли преодолевают внутренний страх, творя чудо: природа становится на защиту Лапы Ягуара и помогает ему в смертельной борьбе с врагом и счастливой воссоединения семьи.

Режиссер демонстрирует жизни народа майя в форме контрастов и классового антагонизма. С одной стороны видим патриархальные обычаи охотничьего племени, искренний и одновременно грубоватый юмор, уважение к первичным ценностям семьи и материнства, мир и согласие, а с другой — природу страшного, жесткого жизни города с неограниченной властью жрецов, аристократов и воинов. Рабы и пленные, больные и калеки, потерявших человеческий облик, строят культовые здания-пирамиды на которых их же и принесут в жертву, и отрубленные головы покатятся лестнице вниз под одобрительные крики толпы, беснуется в религиозном экстазе. Мел Гибсон однозначно подчеркивает: не природные катаклизмы (землетрясения и изменение климата), не крах земледелия, не эпидемии неизвестных болезней и не нашествие чужеземных племен стали началом упадка доиспанский цивилизации майя, — а культ жрецов, рабство и жертвоприношения богам. В уста больной девочки (у тела матери) режиссер вкладывает мистически-пророческие слова: «... день станет ночью и человек-ягуар приведет вас к гибели».

«Apokalupto» — древнегреческая форма от глагола apokaluptein, что означает «раскрывать». Однако в одном из интервью Мел Гибсон объясняет, что название его фильма означает не что иное как «новое начало». Это название наводит на мысль: если это начало масштабной резни и тотальной бойни, устроенной Кортесом и конкистадорами, если это начало нового рабства — это да! Потому что в новое возрождение цивилизации майя — тех остатков племен индейцев, которых загнали в резервации и живут в полном обнищании, — не верится! А фраза Лапы Ягуара: «... мы пойдем в лес искать новое начало», сказанные в финале картины на фоне симпатичных парусников Колумба или Кортеса, несостоятельна, чтобы быть метафорой библейских намерений новоявленного пророка Моисея.

«На священных алтарях НЕ скурюеться больше душистый пепел ... стихло эхо человеческих голосов, города остались ненарушенной ... будто кто собирался вернуться, но никто не вернулся ... безмолвия ...». Этой картины нет в киноленте «Apocalypto», как и нет сочувствие режиссера к трагедии народа майя.

И напоследок. За несколько прошлых веков в Америке не нашлось сумасшедшего, который захотел бы установить памятник Эрнана Кортеса. Верится, что такого не будет никогда. А хохлы-сироты недавно восстановили в центре южного города памятник российской императрице, уничтожившей Запорожскую Сечь и закрипачила Украину...

Это уже четвертая книга молодого писателя. Успех произведениям Любка Дереша обеспечивает не только несомненный литературный талант, но и неординарные личные качества автора. Его первой книгой был «Культ» (2001 г.), написанный 17-летним выпускником средней школы. Затем были романы «Поклонение ящерице» и «Архе». В тот месяц, когда в Киеве презентовали «Намерение», Любко защитил диплом по экономике. Его произведения сочетали несовместимые, на первый взгляд, вещи — вселенский украинский грусть и молодой европейский прагматизм до цинизма. Очевидно, именно это и привлекает в нем молодежную аудиторию.

Роман «Намерение» был обречен с рождения стать бестселлером и таки им стал.

Однако все же карта продаж украинской книги и даже произведений такого популярного автора, как Дереш, сильно склоняется в сторону Западной Украины. Поэтому издательство «Дулебы» в сентябре 2006 года отправляется в презентационный тур с Любко Дерешем и его новым романом «Намерение» Украиной. Они решили посетить не только известные своей любовью к украинской книге города — Киев, Ивано-Франковск и Черновцы, но и «белые пятна» на карте украинского книжного рынка, настоящие неприступные крепости для украинской книги как Черкассы, Кировоград, Запорожье, Мариуполь.

Новый роман Любко Дереш «Намерение» обещает стать событием не только в области популярной молодежной литературы, но и серьезной заявкой в серьезную литературу. В нем блестяще соединились разные уровни восприятия мира, молодежный слой современной городской молодежной субкультуры и философия жизни и смерти.

Встречи запланированы в больших студенческих аудиториях и должны стать настоящими событиями культурной жизни Украины. План презентационного тура предусматривает, что 4 сентября автор «Намерения» встретится со студентами Черкасского национального университета имени Богдана Хмельницкого, 5-го сентября состоится встреча в Кировоградском государственном педагогическом университете имени В. Винниченко, 6 сентября он посетит Запорожский национальный университет, 7-го — Мариупольский. На 8-ое сентября запланирована встреча со студентами Института журналистики и Института международных отношений Киевского национального университета имени Тараса Шевченко. 11 сентября предусматривается встреча в Черновцах (пресс-центр газеты «Черновцы»), 12-го — в Ивано-Франковске (магазин «Современная украинская книга»).

Снятый почти на одном дыхании — за два неполных летних месяца — он повествует об одиночестве и разочарование, жизненную поражение, опустошенность, невозможность шанса на помилование.

«... Мои фильмы, — пишет Бергман в автобиографической книге« Картины », — зарождались во внутренностях души, мозгу, нервах, половых органах и, в последнюю очередь, в кишечнике. Ленты были призваны к жизни желанию, не имеющий названия ».

Вот и на этот раз поводом к созданию фильма стала неотложная, постоянно присутствует потребность — из тех, которые преследуют и отказываются иметь избавиться вплоть до полного удовлетворения — потребность наладить отношения с родителями. «Земляничная поляна», — вспоминает он, — я призвал родителей: посмотрите на меня, поймите меня и — если сумеете — простите».

История старого профессора Исаака Борга (его сыграл Виктор Шестрем — режиссер, чьи фильмы стали для Бергмана толчком к режиссерской карьеры), одинокого и отчаявшегося, закоренелого мизантропа, который не имеет ничего, кроме науки, — история, рассказанная Бергманом о себе и своей отца. Едва ли не в одном лице. Погрузившись в выяснение семейных обстоятельств, режиссер перестает идентифицировать себя с кем-то из героев. Это не важно. Наконец, через насущность вопросов, которые он ставит, все мужские и женские (кроме Исаковой матери, которая не вписывается в упомянутую схему) персонажи незаметно сливаются. Так, перед нами встают две диаметрально противоположных образы, в своей невероятной многогранности и отчаянной необходимости объяснить самим себе: муж-мизантроп, сейчас «мертвый, абсолютно мертв», а когда-то молод и полон надежд, и женщина, самые насущные потребности которой является «жить и творить жизнь ».

Попробуем объяснить эту противоречивую тезис. Нет сомнений, что Исаак Борг и его 38-летний сын Эвальд — духовно родственные или даже идентичны, их отличает только возраст и степень отчужденности от других. Наконец, объединяет и то, что Эвальд еще способен любить. Впрочем, он уверенно движется прямой дорогой к Исаака диагноза: «некомпетентен ...: бессердечие, эгоизм, безжалостность. У него эта дорога лежит через полную потерю чувств и, как следствие, уподобление к мистеру Альманах (Гуннара Шеберг) — случайного (или очень неслучайного) пассажира — равнодушного и цинично-хладнокровного, что пренебрегает всеми попытками супруги (Гуннель Брустрем) привлечь к себе внимание . Появление этой пары — как предупреждение. Недаром Исаак сам признает сходство своего брака с этим, а Марианна так пугается перспективы уподобить ему. Деликатно Выпроводив Альманах из машины, Бергман делает важный для себя символический жест: прогоняет из своей памяти все плохое, что он знал о родительский брак, и тем самым на шаг приближается к прощению родных. Режиссер дает им шанс. И шанс этот — в появлении Женщины. Женщины, которая исчезла уже в высохшем образе матери Исаака: такой же призраки, как и ее сын.

Бергман находит в себе силы посмотреть в своей матери, «древний женщине, замороженной насмерть. Почему-то еще более жаскому, чем сама смерть », другую женщину — ту, которой он ее уже не помнит. Ведь рожденный уже без любви. «Мне казалось, будто я понимаю, что был нежелательным ребенком, сложившейся в холодном лоне и родилась в кризисе — физической и психологической. Дневник матери впоследствии подтвердил мои догадки ...».

Эта Женщина, верит Бергман, все же существовала, но она такая далекая, что может быть изображена только другими персонажами. Появление Марианны, Сары и Евы — трех ангелов Исаака — это попытка предоставить матери шанс, непосильная задача — вернуть жизнь так, чтобы «живых мертвецов» стало меньше. Поддержать, дать ей силы, которых она по тем или иным причинам не имела, напомнить ей «невыносимой легкости бытия», которой уже не вернуть.

Так Бергман возвращает себе мать. А заодно дает шанс отцу и себе. Сила Марианны предстать против равнодушия, что его окружает ( «Я подумала: нет ничего, кроме холода, смерти и одиночества ...»), и уверенно сказать: «Когда-то это должно кончиться», — и это сила жизни.

На переднем сиденье старенькой машины решаются принципиальные вопросы мироздания. Быть или не быть: отдельной ребенку (что, может, станет гением), семьи, да и глобально — человечеству. Ведь если следовать принципу Эвальда «Жизнь — абсурдно. Абсурдное и производство новых несчастных и иллюзий, что вот они-то станут счастливыми », то недалеко и до полного прекращения самовосстановлению.

Слабость Марианны означала бы крах жизнью. Ее появление означает: мы имеем право появиться на свет.

На большом экране режиссер дебютировал 1966 экранизацией знаменитой пьесы Эдварда Олби «Кто боится Вирджинии Вулф». В фильме речь идет о двух супругов американских интеллектуалов, которые в течение одной ночи успевают раскрыть себя перед зрителями со всех сторон. Николс не жалеет своих героев, демонстрируя прежде всего их непривлекательные черты.

Уже первая лента Николса приобрела громкой славы: фильм стал кинопрокатных хитом, получил пять «Оскаров» (вообще был номинирован в восьми категориях. Картина «Кто боится Вирджинии Вулф» оказалась смелой лентой как по форме, так и по содержанию. Бескомпромиссная, она ввела в лексики киногероев брань, которая тогда еще запрещалась Производственным кодексом Хейс.

Награду американской Киноакадемии за режиссуру Майк Николс получил за следующую свою ленту, которая стала кинематографической легендой на все времена. Речь идет о знаменитом «Выпускника» с Дастином Гоффмана в главной роли. Фильм рассказывает о двадцятиоднолитного Бенджамина Брэддока, который возвращается домой после окончания колледжа и оказывается на своеобразном жизненном перепутье. Впоследствии его соблазняет подруга родителей миссис Робинсон.

Подвергаясь любовному порыву, парень, наконец, загоняет себя в тупик. Майк Николс и на этот раз сосредоточен на неприятной стороне жизни, демонстрируя цинизм среднего класса, одержимого только наслаждениями. В картине было много находок, которые пережили свое время. Вместе с фильмами «Бонни и Клайд» Артура Пенна и «Безопасным наездником» Денниса Гоппера, «Выпускник» открыл для кинематографа молодежную контркультуру. Финал ленты вызвал множество подражаний и на много лет вперед стал каноническим в показе конфликта детей и родителей.

В восьмидесятые и девяностые Майк Николс продолжает снимать, выискивая новые конфликты. 1988 года на экраны выходит его «Деловая женщина». Это история секретарши, которая борется за свое выживание в крупной корпорации. В центре событий — ее конфликт с начальницей, безжалостной хищницей, которая ничем не брезгует ради карьеры.

«Деловая женщина», будучи, наконец, разновидностью сказки о Золушке, все же смогла показать Америку конца восьмидесятых. Майк Николс находит способ вполне адекватно это время изобразить.

Еще одной лентой о корпоративной борьбу, правда, с несколько мистическим оттенком, стала лента «Волк». Это была вариация на тему картин о оборотней. Однако, в отличие от классических образцов этого жанра, Майк Николс наполняет историю экзистенциальных содержанием. Это рассказ о столкновении, противостояние, борьбу двух людей, двух подходов к жизни, двух философий. Это — история о человеческой коварство и умение ей противостоять. Волк нужен человеку для того, чтобы лишь обострить присущие ему черты.

После такой притчи режиссер возвращается к реалистическому кино и снимает одну из наиболее удачных своих картин. Это — «Основные цвета», вышедших на экраны в 1998 году. В основу ленты положен анонимную рассказ об одном из кандидатов на пост американского президента. В главном герое — губернатору Стэнтон — довольно легко узнать тогдашнего президента США Билла Клинтона. Картина стала возвращением Майка Николса к сатире. «Основные цвета» иронийно показывают особенности американской политики. События в фильме вращаются не только вокруг избирательных стратегий, но и вокруг личной жизни кандидата в президенты. Временами лента превращается в бурлеск, однако довольно язвительный и правдив в своей основе.

«Уловка 22» — третий фильм Майка Николса. Настоящее дитя семидесятых, он является еще одной попыткой рассказать о настоящем с помощью прошлого. Пересказывая события Второй мировой войны, Майк Николс создает образ войны в целом, которая выглядит не героической, но абсурдным делом. И снова история разворачивается через конфликт. Капитан Джон Йосарян пытается всякими способами вернуться домой. Собственно, его борьба против военной бюрократии и является центральным сюжетом картины. Впрочем, не единственным. «Уловка 22» до сих пор остается одной из лучших антивоенных картин, которая непременно вызывает множество ассоциаций с современностью. Не говоря уже о художественных качествах, которые лишний раз подтверждают высокий класс кинорежиссера Майка Николса.

Эдвард Дмитрик является сыном украинских эмигрантов. Он родился 4 сентября 1908 года в Канаде. Когда будущему режиссеру было два года, семья вернулась в Украину, где прожила до начала Первой мировой войны и эмигрировала в Соединенные Штаты. Эдвард рано потерял мать. Отношения с отцом не сложились, и парень был вынужден самостоятельно зарабатывать на жизнь. Так, в пятнадцатилетнем возрасте он переступил порог студии Paramount где и прошел свои киноуниверситеты.

Однако настоящего профессионального успеха Дима получил на студии RKO. Он снял здесь с десяток картин, большинство из которых сегодня являются классикой американского кино. Прежде всего, это лента «Убийство, моя красавица» по роману Рэймонда Чендлера, которую режиссер снял в стиле «фильм-нуар». И согласно традициям «черного фильма», главный герой картины, частный детектив-одиночка, ввязывается в довольно неприятную историю.

Он становится заложником чужой игры, главная партия в которой, конечно же, принадлежит роковой женщине. В фильме, прежде всего, блестящие актерские работы. Роль частного детектива сыграл Дик Пауэлл — актер, начинавший карьеру в мюзиклах, но в конце концов, смог расширить свое амплуа драматическими ролями. В образе же одного из преступников появляется актер украинского происхождения Майк Мазурка, известный, прежде всего, своими отрицательными персонажами ...

Здесь стоит заметить, что умение удачно подбирать актерский состав является одним из главных козырей режиссера Димы. Он так и говорил: «Чтобы снять успешный фильм, нужно правильно подобрать хороших актеров и дать им возможность работать». Стовно же ленты «Убийство, моя красавица», здесь, помимо прочего, интересен и ее монтажное решение.

Золотым периодом творчества режиссера есть сороковые годы. В настоящее время Эдвард Дмитрик снимает по несколько картин в год. Он много экспериментирует, совершенствуя свое мастерство. В частности, не теряет интереса и к «фильма-нуар». Хотя лента «Перекрестный огонь» не являются, так сказать, стопроцентно «черным фильмом». Сюжетно — это история убийства на почве антисемитизма. Несколько солдат забивают до смерти еврея.

Собственно, настоящим убийцей является только один из них. Впрочем, подозревают другого, не виновного в преступлении. Герой должен доказать свою непричастность, а такое развитие сюжета является классическим для «нуара».

Картина «Перекрестный огонь» принесла ли не наибольшей славы режиссеру. Он получил пять номинаций на «Оскар», в частности, и за режиссуру. Кстати, это единственный случай, когда Эдварда Димы была выдвинута на соискание премии Американской киноакадемии. Дальнейшие события мгновенно оборвали его успешное продвижение. 1947 года, в разгар антикоммунистической кампании Маккарти, Эдварда Дмитрика обвинили в сотрудничестве с коммунистами. Его судили вместе с еще девятью кинематографистами. К истории все они вошли под названием «Голливудская десятка». В начале процесса Эдвард Дмитрик отказался называть фамилии тех, кто, на его взгляд, также сочувствовал коммунистам, и был отправлен за решетку. Впрочем, после года пребывания в тюрьме режиссер назвал комиссии Маккарти около двух десятков фамилий. Ценой такого поступка стала возможность вернуться к работе в Голливуде.

Эдвард Дима не оставлял режиссерского кресла до конца семидесятых годов. В общем, он создал более пятидесяти фильмов и слыл высокопрофессионального постановщика, однако в Голливуде, как уже отмечалось, так и не стал своим. История со списками Маккарти навсегда положила тень на его карьеру. Очевидно, именно поэтому он так и не получил «Оскара» за режиссуру. Наконец, среди его работ, только лента «Сломанный копье» получила «золотую статуэтку" за сценарий.

Этот вестерн почти эпической истории о жизни семьи ковбоев. Глава семейства придерживается довольно тиранических методов управления хозяйством. Однако однажды сыновья восстают против отца абсолютной власти. Вся история разворачивается на теле живописных американских прерий.

Собственно, вестерн стал знаковым жанром для Эдварда Дмитрика позднего периода его творчества. Этот режиссер вообще предпочитал серьезным, так сказать, мужским жанрам, и именно мужские образы в его фильмах стали, пожалуй, самым убедительным.

В картине «Варлок», что тоже является вестерном, — сразу три главные мужские роли. Генри Фонда играет бесстрашного ковбоя с несколько темным прошлым. Жители Варлок нанимают его «очистить» город от бандитов. Он приезжает вместе со своим другом, бывшим картежником, к которому горожане относятся с недоверием. Эта роль досталась Энтони Куинн и стала одной из лучших в активе актера. Ну а Ричард Видмарк играет одного из бандитов, который, наконец, завязывает с разбоя и становится шерифом города. Итак, все три героя имеют «черные пятна» в прошлом. Вплоть до развязки фильма сложно определиться, кому из них можно доверять. Каждый раз их характеры возникать в новом ракурсе. И такая психологическая игра, очевидно, нравится режиссеру.

Сейчас в аргументе-КИНО демонстрируется фильм, в котором главные роли также принадлежат мужчинам. «Мятеж на« Кейни »- история взросления. Лейтенант Барней приходит на флот юношей, но морская служба быстро превращает его в человека. Также это история об ошибках и ошибочные предположения — о том, что было, очевидно, болезненным для самого режиссера.

Свой последний фильм Дима снял 1979 года. Следующие пять лет своей жизни он преподавал в Калифорнийском университете. В частности, издал несколько учебников по кинорежиссуре.

Эдвард Дмитрик всегда помнил о своих украинских корнях. 1997 года он должен был приехать в Киев по приглашению фестиваля «Молодость», чтобы лично представить ретроспективу своих фильмов. Но по состоянию здоровья так и не смог посетить исторической родины. Эдвард Дима ушел из жизни 1 июля 1999.

Собственно, она действует как истинный адвокат — пытается если не оправдать, то хотя бы понять своих неоднозначных героев. «Самое ужасное в совершении преступления, как быстро оно забывается», — говорит главный герой фильма «Игра Рипли». Этот псевдоаристократ испытывает одного парня на стойкость перед соблазном убийства ради легкой наживы. Тот парень имел неосторожность обидеть Тома Рипли. Итак, соблазнение убийством является местью Рипли, которая неожиданно приобретает признаки другого конфликта.

Лилиана Кавани не говорит прямо о том, что Рипли влюбляется в субъекта свои хитрой игры. Но, видимо, в нем зарождаются садомазохистични чувства, наподобие тех, что обычно палач испытывает к своей жертве. Именно поэтому в самый трудный для Джонатана время Рипли не дает ему погибнуть. Так же и Джонатан нужного момента спасает жизнь Рипли, с пристрастием любовника принимая на себя его шар ... Впрочем, может быть несколько объяснений поступков Джонатана. Например, пожертвовав своей жизнью, он тем самым искупил пролитую им кровь. Но Лилана Кавани, как всегда, избегает прямых ответов.

Конфликт палача и жертвы является знаковым для творчества этого режиссера. Собственно, фильм «Ночной портье», один из известнейших в ее доработку, касается именно этой темы. Как уже было отмечено, это история любви немецкого офицера к пленницы концлагеря, что оно имело место во время Второй мировой войны и затем с новой силой вспыхнуло уже в послевоенной Европе. Режиссер акцентирует на сексуальном аспекте отношений героев. Таков ее продвижение к познанию бессознательного, чтобы глубже понять природу преступления вообще и фашизма, в частности.

Фильм вызвал бурю ожесточенных споров, они не утихают по сей день. В одной из самых известных его сцен полуобнаженная героиня Шарлотт Рэмплинг поет перед немецкими офицерами. По завершению этого сюрреалистического номера, ее любовник (в исполнении Дирка Богарда) дарит своей пленники отрубленную голову злейшие ее палача. «В нашем мир правит не благотворительность, а преступление» — говорит Кавани, цитируя своего любимого писателя Маркиза Де Сада ...

Впрочем, не следует думать, что режиссера интересуют исключительно преступление и преступники. В ее активе есть фильм, в котором, наоборот, исследуется природа благотворительности. Речь идет о ленте «Франциск», главным героем которого является Франциск Ассизський — канонизирован католической церковью святой, основатель францисканского ордена. Он отказался от семейного наследия, раздал все свое имущество бедным и стал нищим, призывая людей следовать его примеру. Он считал, что только в такой способ можно познать Бога ... Примечательно то, что Лилиана Кавани уже не впервые обращается к образу этого святого. Один из ее ранних игровых фильмов (а режиссер долгое время работала в документалистике, в частности, создала несколько фильмов о фашизм и сталинизм) также был посвящен фигуре Франциска Ассизського. В фильме же 1989 году главную роль играет Мики Рурк. Собственно, выбор этого актера и является крупнейшей провокацией Кавани ...

Человеческая природа таит в себе много тайн и абсолютно непредсказуемой. Все зависит от времени и обстоятельств, в которых находится человек. Вот, собственно, главный постулат творчества Кавани. Фильм «Шкура», который с некоторыми поправками можно назвать автобиографическим, красноречиво это подтверждает. Действие продолжается в Италии в конце Второй мировой войны, когда уже был побежденное итальянский фашизм, и в страну пришли американские военные. Режиссер говорит, что хорошо помнит те времена. Следовательно, она попыталась воспроизвести также и собственный опыт. Впрочем, литературной основой картины стал одноименный роман итальянского писателя Курцио Малапарте (настоящее имя — Курт Зукерт), в свое время был сторонником фашизма, но быстро разочаровался в войне и ожесточил антимилитаристом. Собственно, в фильме возникает конфликт двух противоположных сил — победителей и побежденных, и отсюда запутанный клубок рефлексий, унижений и откровенных издевательств ...

Сегодня же в АРГУМЕНТ-КИНО «Берлинский роман» — последняя часть «немецкой трилогии» Лилианы Кавани, которая была начата фильмом «Ночной портье», а второй частью стала лента «По другую сторону добра и зла». И это очередной прогресс режиссера к познанию темных сторон бессознательного «Я», что оно дорогого стоить ее героям. Только теперь подчеркнуто эротические отношения двух женщин является своеобразной формой протеста против фашистского режима. В своей любви они, так сказать, заново узнают себя, получают новое измерение свободы, но очень быстро теряют контроль ... Человек способен к самым неожиданным поступкам, поэтому лучше себя не оправдывать — кажется, резюмирует режиссер. И в этом кроется самая большая опасность ее фильмов.

Уже кинодебют Ларри Кларка — картина «Детки» — стала одной из лучших рассказов о девяносто с тогдашним паническим страхом СПИДа. Кларк не первый обратился к этой теме, однако он сумел разглядеть инфекцию там, где ее не хотели замечать — в подростковой среде. Сюжет картины умещается в два предложения. Узнав, что инфицирована своим первым и единственным сексуальным партнером, шестнадцатилетняя Дженни разыскивает его, чтобы сообщить печальную весть.

В то же время парень уже занят соблазном следующей жертвы. Путешествие Нью-Йорком этих двух героев позволила Кларком сделать своеобразный срез жизни тогдашних подростков. Катание на скейтбордах, кражи из супермаркетов, драки, вечеринки с употреблением наркотиков, одноразовый секс — Лэрри Кларк демонстрировал все это без малейшего предубеждения и морализаторства.

Именно в «Детки» определилась основная тема кинематографа Лэрри Кларка и весьма своеобразные методы ее реализации. Он фильмуватиме исключительно о подростках — в основном об их отношениях между собой, хотя и не обходить миру взрослых, неизменно подавая его через восприятие молодых людей. И он не предавать документализма в пользу выдумки — с каждым фильмом увеличивая открытость изображаемого.

2001-го Кларк снимает ленту «Садист» — на этот раз реконструируя реальное убийство группой подростков своего товарища, произошедшего семь лет до того в небольшом городе в штате Флорида. Сюжет, как у всех картинах Кларка, не содержит особых сложностей — подростки убивают своего товарища, потому что тот издевался над одним из них. Мы видим эти отношения, видим, как вызревает сама идея мести, как она становится навязчивой и, наконец, лишенной альтернативы.

Как и «Детки», «Садист» показал еще одну подростковую путешествие к смерти. И опять она происходит в полусознательные состоянии: ослепленные алкоголем и наркотиками, молодые люди не способны отличить фантазии от реальности, не могут справиться своим чувствам.
Лэрри Кларк заводит героев в лабиринт, из которого нет выхода. «Садист» стал своеобразной картиной-пророчеством, так как со временем проблема жестоких убийств в подростковой среде станет одной из самых актуальных в американском обществе. Так творчество Кларка вторично трагически совпала со своим временем.

2002 Лэрри Кларк вместе с оператором Эдвардом Лахман снимает свой самых бескомпромиссных и лучший фильм — «Кен Парк». На этот раз к подросткам, которые живут в еще одном малоизвестном американском городке, добавятся их родители и дедушки с бабушками. Режиссер как бы ответил на упреки критиков своих предыдущих картин, которые интересовались: где же родители всех этих ужасных подростков? Правда, от этой демонстрации не выиграл никто — ни старше, ни младшее поколение. Кларк окончательно отделяет одних от других — не находя никакого способа для понимания. Более того, в финале картины один из юных героев выразит мечту о утопический остров, населенный людьми, не знают забот и живут, как дети.

По откровенностью «Кен Парк» поровну с порнографией, потому что зритель становится свидетелем самых интимных вещей из жизни человека. Картина имела довольно грустную прокатную судьбу, однако превратила Лэрри Кларка у живого классика — до установленных им стандартов показа подросткового мира трудно сравниться, не говоря о том, чтобы их увеличить. «Кен Парк» стал художественным верховьям кинорежиссера.

21 октября в аргументе-КИНО картина, созданная как раз перед «Кеном Парком» — телевизионные «троглодиты» — история с постапокалиптическом будущем, большинство событий в которой разворачиваются в декорациях современности. Кларк снова рассказал о подростковая мироощущения, о бессмертную потребность молодых в свободе, об их конфликт со старшими. Вместе с тем «троглодиты» — это также рассказ о иллюзию альтернативы, об этой же инфекции, от которой никуда не уйдешь. Картина, кроме своего сенсационного сюжета, интересна еще и актерским составом. Как всегда, в фильме Кларка много непрофессиональных актеров. Именно этот факт и превращает фантастические события на вполне реальную происшествие, в котором чудовиска будущего — только воплощении страхи современных подростков.

Время действия этого фильма — начало 1930-х годов. Место действия — пассажирский лайнер, плывущий под веселую музыку из Мексики в Германию. Он до краев наполнен разными людьми.

Эти люди на «корабли дураков» предстают неким символом человеческого общества, страдающего от пороков и низменных страстей. И именно это, по мнению авторов, в конечном итоге станет причиной прихода к власти Гитлера. Так в литературной первооснове — одноименном романе американской писательницы Энн Поттер. Так и в картине Стенли Креймера ...

А вообще-то, образ «Корабля дураков» в мировой культуре довольно давний. Это название, в частности, отсылает нас к двум знаковых произведений. Это сатира немецкого писателя Себастьяна Бранта, которая была отпечатана в конце 15 века, а также картина знаменитого голландского художника Иеронима Босха, написанная вскоре после этого, и которая сейчас экспонируется в Лувре. Это аллегории общественного корабля, движущегося в Ад ...

Заокеанские киноведы считают, что Стэнли Креймер был самым знаменитым, как они говорят, месседж-режиссером двух послевоенных десятилетий американского кинематографа. Он является одним из той плеяды кинематографистов, которые были настроены своими фильмами не развлекать зрителей, а изменять мир. Второй такой пример — Элиа Казан. (Кстати, его лента «В порту» будет демонстрироваться в аргументе-КИНО 2 декабря). Так вот, эти кинематографисты не снимали фильмов без социальных посланий. Произведения обязательно были направлены против чего-то — против фашизма, расизма, антисемитизма, нетерпимости и т.д.

И это делалось искренне. Поэтому их фильмы нельзя назвать пропагандой, хотя их часто и небезосновательно обвиняли в дидактичности и тенденциозности. Что касается киношляху Стэнли Креймера, то его карьера — это хрестоматийное воплощение американской мечты: начинал подсобным работником на студии, затем стал клерком, ассистентом сценариста, во время войны снимал антифашистские пропагандистские ленты, а после войны уже продюсировал и снимал большое кино самостоятельно .

Стоит заметить на такой особенности лент Креймера, как актерская составляющая. Фильмы этого режиссера основывались прежде всего на крепких сценариях и замечательных исполнителях. Не случайно его киномемуаров — это, собственно, любовная рассказ об актерах, с которыми он работал. Одна из таких актрис — Вивьен Ли, которая играет и в «Корабли дураков».

Рассказ о Вивьен Ли для программы подготовила Олеся Лукьяненко. А Игорь Грабович является автором сюжета о различных аспектах творчества Стэнли Креймера.

Именно эта лента является рубежной для мюзикла, потому что в ней впервые показано Голливуд изнутри. Вряд ли Донен и Келли имели целью кого критиковать, однако мягкая ирония относительно эпохи немого кино, которое вот-вот заговорит, дала возможность создать одновременно смешную и чрезвычайно искусную картину об обычаях шоу-бинес, в котором яркое зрелище должно продолжаться любой -либо условий.

Впоследствии Стэнли Донен сотрудничает с другим знаменитым танцовщиком — Фредом Астером, и совместно они создают «Королевское свадьба». Именно на этой картине окажется не только умение режиссера совмещать концертные номера с бытовыми, но и особая тематика. Донен любит снимать про любовь. Причем зачастую в его картинах речь идет о чувстве, которое вспыхивает между старшим мужчиной и молодой женщиной.

«Королевское свадьбы» является образцом, так сказать, "мюзикла, что умирает. Созданный в начале пятидесятых, он демонстрирует последние вспышки режиссерской и исполнительского мастерства, которая формировалась десятилетиями. И уже казалось, что мюзикл подвластно все — даже танцы на потолке. Однако это оказалось лишь иллюзией. После «Королевского свадьбы» Донен постепенно отходить от мюзикла до другого популярного жанра — комедии.

1957 году он снимает еще одну ленту за участи Фреда Астера — «Смешное лицо». В этой музыкальной комедии говорится о буднях модного журнала, озабоченного поиском новых лиц. Партнером Астера станет юная Одри Хепберн, которая отчасти будет играть саму себя — начавшую модель, которая делает первые шаги в шоу-бизнесе. Именно ее нестандартная красота покорит Париж.

В картине есть несколько музыкальных номеров, абсолютно самодостаточных, лишенных связи с сюжетом картины. Донен не мог отказать себе в удовольствии еще раз продемонстрировать мастерство Фреда Астера. И все же, «Смешное лицо» — прежде всего любовная история, она закономерно заканчивается свадьбой. Роизниця в возрасте — не преграда для влюбленных в фильмах Стенли Донена.

В конце пятидесятых Донен оказывается практически без работы — голливудские студии прекратили производство мюзиклов. Режиссер перебирается в Британии, где снимает основном остроумные комедии из жизни высшего общества и среднего класса. Одна из таких картин — криминальная комедия «Шарада». Здесь Одри Хепберн сыграла вдову, которую после смерти мужа преследуют преступники, чтобы отобрать деньги, о которых она ничего не знает.
Партнером Хепберн стал Кэри Грант — воплощение стиля и утонченного вкуса. Вместе актеры создали одну из самых романтических и изысканных пар кинематографа шестидесятых.

Еще одну достаточно известную — и на этот раз эротическое — комедию Стэнли Донен создал внутри восьмидесятых. Картина «Во всем виновато Рио» стала фактически бенефисом Майкла Кейна. Он сыграл уставшего семейной жизнью мужчины, который поддается искушению. Донен здесь вполне успешно воплотил свой любимый сюжет о неравное любви. В фильме много откровенных сцен и остроумных диалогов, действие происходит на экзотическом курорте, однако фильм не содержит запала ранних лент постановщика. Это скорее элегическая история о кризисе среднего возраста, которую ничем не преодолеть, чем рассказ о вечной любви. Кажется, этим фильмом Донен прощается с кинематографом — любимым делом, которому знал всю свою жизнь.

А 30 декабря в 01:25 в аргументе-КИНО — один из самых известных мюзиклов в истории жанра — «Семь невест для семи братьев». Фильм прежде всего известен своими танцевальными номерами. Режиссер только ищет случая, чтобы пустить в пляс своих актеров. И достигает в этом чрезвычайного успеха. Знаменитой сцена толоки, в которой мастерство танцовщиков достигает своего апогея. Вряд ли стоит ожидать от картины некоего откровения. Это развлечение. Однако развлечение высочайшей пробы.