С того времени мы продолжали видеться, пить стали меньше, соответственно работать — больше. Место встречи также изменилось. Сейчас это бар в средневековом стиле, где Вадим снял одну из сцен своего нового фильма, премьера которого ожидаем вскоре. Йович принял участие в кинофестивале «Молодость». «Каменный остров» показали в Киево-Могилянке в рамках программы «Новое украинское кино». Диски с фильмом Вадима в руках всемирно известных кинорежиссеров отправились Европой и за океан, ну и наконец, главным фанатом фильма, если верить корреспонденту УРА-Информ, стал Президент Украины с семьей.

— «Каменный остров» наконец появился в продаже. Я увидел диски в магазинах только через год после премьеры. Есть ли прямая связь между появлением фильма на полках магазинов и твоим участием в фестивале «Молодость»? Может, ты просто не хотел распространять до начала фестивальных показов?

— В киноиндустрии существует практика, когда фестивальные фильмы продаются только по окончании фестивального сезона в стране производителя. «Каменный Остров» был показан на двух фестивалях с промежутком в один год, что является исключением из правил. Участие в «Молодости» было последним из возможных. Теперь имеем право на продажу.

— То есть, к шоу-бизнеса ты себя досчитывает? Ты словно делаешь коммерческий продукт?

— Просто соблюдаем условия рынка.

— Какая реакция фестиваля, жюри? Фильм был вне конкурса ... Тем не менее, отзывы зрителей?

— Реакция жюри была еще на отборочном этапе, когда никто не гарантировал наше участие в фестивале такого класса. Для меня важнее отношение зрителя. Грустно видеть полные залы конкурсной программы, где зрители невпопад смеются, говорят по телефонам, выходят на титрах. На моем показе было десять человек, которые досидев до конца титров и выдержав все технические неполадки во время сеанса, вышли из зала и плакали. Я не решился подойти и спросить: какая у тебя, дорогой зритель, реакция? Их глаза мне все сказали ...

— Итак, появился качественный фильм с отдельным саундтреком. Не возникало ли у тебя желания выпустить не двойной диск, а два отдельных компакты? Возможно это разная публика, публика, смотрит, и публика, что слушает? Есть целый слой людей, которые слушают саундтреки.

— Да, я согласен, есть люди, которые смотрят фильмы и есть те, кто их слушает. На втором диске красивая авторская музыка Саши Вородеева. Весь трек срежиссирован как маленький фильм: шумы, диалоги. Можно закрыть глаза, слушать музыку и видеть картинки. Эффект примерно такой же как с музыкой Нила Янга к фильму Джармуша «Мертвец». Это похожие по состоянию работы. После фильма хочется переслушать музыку, а после такой музыки интересно посмотреть фильм. Хотя «два в одном» с коммерческой точки зрения — невыгодные релиз. Но пока я могу себе это позволить. Мы не так богаты, чтобы продавать дешевые вещи:)

— Есть ли какая-то реакция от государственных структур — управления культуры или министерства культуры — на детище Вадим Йович?

— Первая реакция была в прошлом году, когда «Каменный остров» пригласили на закрытие фестиваля экранных искусств «Днепр-сinema 2004». Вторая — нас пригласили на международный кинофестиваль. Получилось, как со Стрембицкий ... они отправили письмо в Канны, и их пригласили. Мы поступили так же.

— То есть, это официальные лица принимают решения?

— Отборочная комиссия, наверное, считает себя официальной. Но и они тоже люди, несмотря на свои официальные лица:) ... Хотя, не все картины принимают участие.

— Как я понял, кинофестиваль «Молодость» — один из немногих, которые проводит Министерство культуры. Это действительно так, они имеют непосредственную связь с фестивалем?

— Насколько я знаю, в прошлом МК было одним из основателей фестиваля, а сейчас активного участия не принимает. Наверное, туризм более перспективное направление.

Это было в 2002 году, когда к Днепропетровская область посетила международная выставка «Гетманские клейноды и личные вещи Богдана Хмельницкого».

Днепропетровщина — казачий край. Здесь располагались пять из восьми сечей. Здесь на Микитовом Роге избран гетманом Богдана Хмельницкого. Здесь живут потомки рыцарей, в сердцах которых до поры дремлет кипучая украинская кровь. Поэтому именно в этом городе по приглашению общественной организации «Институт общественных исследований» и кафедры истории Днепропетровского национального университета состоялась первая презентация книги докторанта Института истории Юрия Савчука «Клейноды гетмана Богдана Хмельницкого» и посвященная казацкой древности открытая лекция.

О Богданов флаг, найденный Юрием Савчуком среди многих других казачьих реликвий в стокгольмском Военном музее, многие слышали. Да и видели его — накануне инаугурации Президента уникальный памятник привозили в Украину. Это действительно великая вещь, которая вполне соответствует традиционному представлению о казацкие флаги — крест, звезды, полумесяц ... Очень интересна сабля из коллекции Фонда князей Чарторыйских при Национальном музее в Кракове (Польша). Ее лезвие украшает золотой портрет гетмана и остатки загадочного текста, как предполагают исследователи, украинского, но в транслитерации латиницей.

В переводе эта надпись выглядит примерно так: «Что под Зборовом, Збаражем славы заработали / Другие под Берестечком на голову потеряли / Не было на кучу своих пориватися / И с Берестечка сейчас в скок бежать / То бы нашей славе не было потери 1652». Так что речь идет о блестящих победах, одержанных гетманом под Зборовом и Збаражем и о печально известной поражение под Берестечком — битву, в которой плененный татарами Богдан не участвовал. Кому принадлежал запечатлен на сабле выражение? Гетману? Его окружению?

И вообще — насколько правильно видчитаний сама надпись, в последний раз исследователи видели в начале ХХ века? Ведь вследствие трагических обстоятельств сабля понесла невосполнимую разрушения, и на сегодня надпись значительной степени утеряны.

Еще большей интриги этой истории придает существование сабли-близнецы, которая хранится в историческом музее Национального заповедника «Переяслав», куда попала из достояний известного коллекционера В. В. Тарновского. На этой сабли также содержится почти тождественен надпись ...

Незабываемое впечатление в душе каждого, кто его увидит, оставляет плетеный из воловьей сыромяти плеть Хмельницкого, больше метра длиной. Его деревянная рукоятка в диаметре достигает почти четыре сантиметра. Какая же это должна была быть человек? «Когда смотришь на него, просто дух захватывает, — рассказывает Юрий, — ударом такого нагая человека можно пополам распанаханная».

Чрезвычайно ценной вещью, которую тоже связывают с именем Богдана, есть кружка из слоновой кости, отделанный Кружка Богдана Хмельницкого серебром и жемчугом. Легенда утверждает, что этот кружку гетман сделал из человеческих костей. Но поражает другое — искусно сделанная фигурка святого Христофора, украшающей его крышку. Вместо лица у святого человека, которая переносит Христа через багновище, — собачьими морда ...

В книге подробно рассказывается также о шапку Богдана и его «гарнец» (глиняный сосуд наподобие ведерка), которые хранятся в киевском Национальном музее истории Украины. Рассказывается о серебряный кубок, судьба которого повитый красивой легендой. О найденный недавно в краковском музее бердыш гетмана, булаву, изготовленную из рога носорога, волшебную по красоте водосвятные чашу (музей в Москве) и другие уникальные вещи. Автор книги внимательно анализирует источники, удостоверяющие их принадлежность гетману.

Забавная история сложилась с замком (хранится в Военно-историческом музее Санкт-Петербурга), который Богдан Хмельницкий якобы подарил царю Алексею Михайловичу в знак вечной дружбы и единства Украины с Россией. Надпись на замке — вопреки легенде — свидетельствует, что он принадлежал к Башни № 5 в Киеве, которую построен минимум через сто семьдесят шесть лет после смерти гетмана. К тому же общеизвестно, что Хмельницкий и российский царь никогда не встречались.

Хорошо оформленную книгу Юрия Савчука приятно держать в руках. Благодаря тому, что автор познакомился со всеми гетманскими вещами лично, она создает иллюзию непосредственного контакта с достопримечательностями. Кое в чем ощущения даже лучше, чем музейные — ни холодного стекла перед глазами, ни подозрительных взглядов служителей Клио. Кажется, что заглядываешь в глаза истории. И даже не обидно, что большинство этих памятников принадлежат музеям Польши, России, Швеции — пусть пропагандируют там нашу культуру!

«Варшавская мелодия-2» — это воспоминание о любви, которое навсегда осталось в прошлом и который по-настоящему можно оценить только с расстояния прожитого.

Надо ли напоминать, чем является этот спектакль для самой актрисы? Она не один год играла «Варшавскую мелодию» на сцене Киевского театра русской драмы, только пьеса Леонида Зорина (1967) увидела свет. Романтическая история о оборвана любви польки и россиянина в 1960-е годы была очень популярной, шла во многих театрах страны. А киевская спектакль стал культовым благодаря вдохновению и таланта живой, легкой, эмоциональной Ады Роговцевой, исполнительницы главной роли. Конечно, репертуар актрисы был богатейший, но Елена стала ее «фирменным знаком».

Любая талантливо написана история любви является самодостаточной, но в этом был особый шарм, ведь любовь молодой пары оборвалась из-за того, что в стране, находившейся за железным занавесом, ее гражданам нельзя было вступать в брак с иностранцами — в феврале 1947 года вышел такой закон. Елена, которая приехала из Варшавы учиться в Московской консерватории, полюбив будущего технолога-винодела Виктора, не думала, что именно такое обстоятельство может помешать их счастью.

Магия театра рождается с талантливой пьесы. А для любовной истории важно и рождение чувства, и его развитие, и нюансы настроения, и бытовые детали, и то, насколько персонажи психологически оправданы, как полно проявляет себя каждая индивидуальность. Во «втором дубле» «Варшавской мелодии» два действия разворачиваются параллельно, подсвечивая друг друга дополнительными нюансами и настроению: первый с 1946 года, а вторая — через 41 год, когда Елена, которая живет в США, приезжает в Москву и знакомится в театре в мужчиной по имени Евгений, который дословно повторяет фразы, которые когда-то говорил ей в аналогичной ситуации Витек.

Старшую Гелену играет Ада Роговцева, Евгения — Валерий Легин. Дуэт разворачивается естественно, в разговорах этих персонажей узнается Москва 1987 года. Актриса благородно-сдержанная в искренней рассказы о своей, уже такую давнюю, историю, у актера прорывается чувственность. Оба гармонируют с молодой парой исполнителей. Это значительная добродетель — сохранить и в почтенном возрасте эмоции, которыми переполнен «первый дубль», вспоминать с благодарностью то счастье, которое выпало в жизни. Драматург сдержанно, через выразительные детали фиксирует особенности времени (в послевоенной Москве Виктор ночью разгружал вагоны, чтобы на заработанные деньги купить любимой туфли, Евгений избавляется дорогих часов, чтобы на вырученные деньги угостить Гелену в ресторане).

Евгений не скрывает своего критического отношения к процессу перестройки: он, офицер запаса, поэтически одаренный, теряет почву под ногами, как в материальном, так и в моральном смысле. Идею Гелены поменять местожительство отвергает, поскольку тесно связан со своей родиной. Единое пространство, в котором Евгению остается «мериться силой» с оптимистичной гражданкой США, которую привела в Москву ностальгия по единственным в жизни любовью, — это сочувствие и сокрушенно жаль: как мог ее возлюбленный Виктор отказаться от своего счастья. А ее тихо произнесенные слова: «Я был счастлив только здесь, — приговор той системе, безжалостно ломала человеческие судьбы.

Молодая пара, визуализировали воспоминания Елены-Роговцевой, дала себе волю, предвкушая перипетии любви, отчего наслаждение получали и зрители. Общение Гели-Степанковой и Виктора-Сеитаблаева нередко строится на профессиональных терминах, набирая еще большей выразительности благодаря легкому акценту девушки. Остроумие диалогов, полная чувственности игра влюбленных, непринужденность исполнения, — это то, за чем соскучился современный зритель, которому сегодня, вместо историй любви, в основном предлагают пошлые суррогаты. Зрители благодарно ловили каждое слово, каждое проявление душевного переживания. Побывать в волшебной сказке, пусть и без счастливого конца, — это так здорово!

Учитывая комерцийнисть представления, расчет постановщика точный: ностальгические чувства должны сделать свое. Ностальгия у зрителей не только за знаменитым спектаклем, но и за любимой актрисой. Они не ошиблись: спектакль стала успешной, ее уже около семи лет показывают и за рубежом, и в разных городах Украины.

Неодобрительно, поверьте, скромность, бережливость — особенно на фоне роскошных, пышных ушанувань и награждаемым разного пошиба и калибра «временщиков». Как будто стесняемся, имевших ведущего, славного кинохудожника. Поэтому, как писал Дмитрий Павлычко, «проклятие самоедов-малоруссамъ, не достучался до них Монтень».

До наших (не знать уже которых — национальных или социальных?) Недостатков необходимо добавить еще и такую: мы не умеем, не научились достойно чтить ни самой прошлого, ни своих предшественников. Скорее наоборот — с особой, чрезмерной, наслаждением Ганы, порочат и вытирает об них ноги.

Вместо оберегать и изучать их наследие, стараемся при любой возможности потоптаться по их произведениях, доказывая, что ничего путного у нас не было и быть не могло. Принципиальная, странная какая-то неуважение ко всем и вся, что нам предшествовало! Тогда как на этой земле действительно жили достойные люди, которые творили новое искусство, изменяли культурный ландшафт государства, которые могли перешагнуть моря и свернуть горы на пути.

В определенной степени режиссерскую профессию можно сравнить с авиаторською: тот самый полет в неизведанное, такой же ежедневный риск. Однако и авиаторы бывают неодинаковы: есть истребители, является бомбувальникы, есть те, перевозящих рекордные грузы. Игорь Савченко, несомненно, был летчиком-испытателем. Среди 15 его фильмов не найдем двух подобных, — они отличаются друг от друга так, как снимали их разные режиссеры. А может, это в одиночку Савченко нес в себе мироощущение, мировоззрение многих людей? «Если у вас нет своего, того, что волнует и что вы хотите рассказать людям, — вы не кинорежиссер», — говорил он.

Постоянно находился, по крайней мере стремился находиться в первых рядах, постоянно выходил на новые темы, сюжеты, жанры, отыскивал новых героев, — это заставляло менять, обновлять формообразующих средства и художественные идеи. Порываясь вперед, он ошибался, хибив, сердце и тело покрывалось близнамы. Сегодня, в другом государстве, можем не соглашаться с его выбором лейтмотивов, персонажей, способов перекодировки, однако всегда понимаем, о чем все это и для чего снималось. В наше время, наоборот, модным стало во всем винить зрителей сегодняшних, накрутив не очень крепок фильм.

Игорь Андреевич пытался опередить современников, стремясь живого, а не официального кино, в годы войны, когда все имеющиеся ресурсы и возможности мобилизовались для сопротивления фашистским захватчикам, он говорил: "Мне уже неприятно смотреть в картинах, что немцы топчутся по нашей земле — мне очень хочется видеть, как наши бойцы ходят по немецкой земле. Я понимаю, когда речь заходит об обороне Сталинграда, но зачем ставить фильмы о том, как немцы находились в каком-то маленьком городке и что они там делали? "Это явно другая плоскость осмысления. И так — во всем и всегда, подвергаясь опасности и неприятности.

1944 выходит на экраны патриотический и «нужен» фильм Лео Арнштама «Зоя», впоследствии удостоен сталинской премии. Как же откликнулся на это событие Савченко? «Я хочу сказать, что я против ленты« Зоя Космодемьянская ». Она слишком уж праздники, она слишком Жанна д'Арк. Какое дотянуться обычной девочке с седьмого класса, когда она смотрит и думает: "Но ведь у меня двойки были. Не буду я такой ". Это глубоко неправильно ".

Именно здесь с места закричали: «Искусство!».

Искусство — это правда, — сразу сказал Игорь Андреевич. — Я знаком с девушкой, которая вместе с Зоей шла через линию фронта. Она была в этом же загоне и остался жив, жива и теперь. И я спросил ее: «Вы никогда в жизни двоек не получали?» Она говорит: «Ой, получала!» ».

1945 года на только что возрожденной Киевской киностудии Марк Донской снимал фильм «Непокоренные» (по повести Бориса Горбатова «Семья Тараса»), где, в частности, впервые в мировом кино было воссоздано трагедии Бабьего Яра. Понятное дело, что картину следовало бы всячески поддержать, а Игорь Андреевич в своей рецензии пишет: «Фильм той или иной мере без почерка, цитатной ... в нем все знакомо, все ранее виденное ... Мне, как профессионалу, представляется чрезвычайно уязвимым формулировки «полезная картина». Я, например, убежден, что вредных картин вообще не умеем делать ... В фильме Донского образная система Горбатова разрушена. Лента вся от начала до конца педальована, т.е. сделана на том приеме, которым никогда не пользуется в своей творческой практике Горбатов.

Сказанное вовсе не означает, что все, снятое Савченко о Великой Отечественной или гражданской войны, заслуживает одобрения и развития в новых исторических обстоятельствах. Сегодня многих удивляет его трактовки украинского освободительного движения. Просмотрев, скажем, «Дума про казака Голоту» или «Всадников», становится ясно: и Главный Атаман, и петлюровщина и петлюровцы требуют пристального, более внимательного и добросовестного изучения и рассмотрения, чем это практиковалось в кино советской эпохи. Ссылаются при этом на романтический стиль. Возможно. Но если это романтизм, то скверного, развращенные вкуса. Политическая ангажированность Савченко подвела и на этот раз.

— Создаем проект «Кинолетопись" (куратор — Елена Завгородняя): регулярно фиксируем важные события в жизни страны, накапливая летописный материал. С 2008-го ежемесячно снимаем по два сюжета о Голодоморе: ищем свидетелей, записываем их рассказы. Сдаем один час записи (в качестве исходного материала) и, собственно, 20-минутный сюжет. Свидетели Голодомора представляют эпоху: знают и коллективизацию, и войну, и послевоенные испытания, поэтому мы решили записывать все их воспоминания. «Судьбы» — цикл, который объединит такие рассказы (каждая — десятиминутная). Министерство нас поддержало, а финансирования нет.

Собственно, тему Голодомора мы нарушили давно: Павел Фаренюк, «Ой, горе, это же гости ко мне» (1989), Николай Лактионов-Стезенко, «33-й, свидетельства очевидцев» (1989) ... Телевидению, которое только недавно начало снимать об этих событиях, легче — оно показывает свои ленты, а студия, завершив фильм, не имеет возможности презентовать его общественности. Телеканалы же не пропагандируют украинских фильмов.

— Телевидение не информировано о работе вашего коллектива или ему невыгодно их демонстрировать?

— Думаю, и то, и другое. Каждый стабильный канал имеет собственную редакцию документальных фильмов (получается: мы — конкуренты. Однако немало картин студии могли бы пригодиться телеканалам. В частности, лента «Чернобыль. Хроника тяжелых недель », снятая в течение первых дней трагедии (режиссер Владимир Шевченко). До этого, в нарушение чернобыльскую тему, режиссеры разных телекомпаний используют кадры из этого фильма (как из классики), но нашей студии и потомству авторов картины при этом почему-то ничего не возмещают. За разрешением работать с фильмом обращались лишь два государственных канала. Наконец, мы бесплатно предоставили материалы обоим. К 20-летию трагедии Министерство заказало новую редакцию ленты. В свое время, как только фильм был завершен, его купили 132 страны мира, и только Украина, которая его сняла, на протяжении 20 лет не имела перевода на государственный язык. Украинской озвучил Андрей Пиддубинський, однако мы указали в титрах и то, что в фильме 1986 текст читал Николай Олялин (его работа — одна из сильных сторон картины).

— Какие изменения испытывающем организация? Кто их инициирует?

— Новый руководитель — Андрей Крыжановский — начал ремонтные работы помещений. Благодаря его усилиям снимает три видеомонтажных комплексы непосредственно на территории студии (ранее цеха нанимали в разных районах города). Кроме того, он пригласил молодых специалистов: видеоинженер, руководителей производства, пресс-атташе и др.

— Какие темы сегодня актуальны для документального кино?

— Студия всегда была в авангарде тем. Мы, например, первыми нарушили на экране темы легализации Греко-католической церкви, репатриации западно-украинских земель. Александр Коваль в 1990-е снял сразу четыре фильма ( «Завещание Иосифа Слепого», 1993 — 1995), в которых объединил темы УПА, Голодомора, переселение в Сибирь украинского крестьянства и интеллигенции... Кто только сегодня углубляется в эти вопросы. В целом мы не выделяем определенные лоты, потому фиксируем историю Украины. Нас интересует все.

Дебютанты касаются как исторических тем, так и художественных. В частности, сегодня в работе: фильм «Надежда живет в клетке» об инновационных разработках профессора Виталия Кордюма, лента о Елене Телиге «Душа в красной Амазонке», картина о Марии Стефюк «И я снова лечу к солнцу»...

— Усматриваете в своей работе определенную духовную миссию: коллектив студии ли не единственный, способный создавать действительно остросоциальное фильмы?

— Мы, конечно, хотели бы остаться в истории как носители такой миссии, но никто не в состоянии монополизировать ту или иную тему. Другое дело, стоит за теми, кто снимает, как вы говорите, брэнд, школа, традиции украинской кинохроники?

— Положением «О государственной поддержке кинематографии Украины» подтвержден решительный переход нашего кино в продюсерскую систему координат. Как при этом чувствуете?

— Если государство считает нужным содержать государственные студии, она должна гарантировать им достойное финансирование.

Скажем, в Великобритании государство финансово не поддерживает деятелей искусства, однако в этой стране работают законы о меценатстве. Во Франции поиском денег для кино озабочены только профессиональные продюсеры и продюсером считают лишь того, кто вложил в проект не менее 15% собственных средств. Наша же государство с кинопроизводителями кокетничает: «Находите средства и возможности сами» По действующей системы такие поиски безнадежны.

До 1991-го на студии работала замовницька редакция. Ранее государство занималась культурным развитием гражданина: практически каждое предприятие получало (пусть и небольшие) средства на освоение, в частности просветительских и культурологических программ. В советское время к нам обращались различные организации, заказывая те или иные фильмы. Так, сейчас заказов нет, но мы все равно работаем, потому что есть идеи и потребность их реализовать.

Режиссер — народный артист Украины, лауреат Национальной премии им. Т. Шевченко Виктор Шкурин; оператор — Эдуард Тимлин; продюсер — Леонид Винокур. Консультанты: доктор исторических наук В. Верстюк и доктор философских наук М. Попович.

Молодые снимают молодых

В марте завершился съемочный период телефильма «Окно моей комнаты» (рабочее название) про девушку-инвалида и ее поиски своей любви через Интернет. Автор сценария и режиссер — Дмитрий Сан. В главных ролях: Марина Куклина и Ренат Сеттаров (студент II курса КНУ театра, кино и телевидения имени Карпенко-Карого; мастерская Б. Ступки). В картине также задействованы Алексей Горбунов и Виктория Корсун. Оператор фильма — Александр Пронин.

«Рудиший рыжего»

Черновицкий областной Киновидеопрокат расширяет круг своей деятельности. По инициативе председателя облгосадминистрации Владимира Кулиша и управления культуры ОГА на базе киноархива решено создать киновидеостудию. Как сообщила журналистам директор Черновицкого киновидеопроката Людмила Калинкауцька, ее название — «Первая Буковинская киностудия». В основе сценария первой киноленты — киноповесть «Рудиший рыжего» черновицкого писателя и драматурга Василия Мельника, который в 2006 году стал лауреатом IV-го Всеукраинского конкурса «Коронация слова». В фильме речь идет о проблемах вынужденной трудовой эмиграции из Украины в страны Западной Европы, в связи с чем часто возникает проблема сохранения семей заробитчан. Режиссер — Геннадий Вирсты. Он является художественным руководителем первого Западной киностудии «Захиднофильм», где уже снял несколько документальных лент и полнометражную «Один в поле воин». Музыкальное оформление — Остапа Гавриша. Планируется, что лента будет финансироваться из областного бюджета и средствами спонсоров.

Лауреаты премии «Ника»

В России определили лауреатов нынешней премии «Ника» (уже 21-й). Шесть наград — лучший игровой фильм, лучшая режиссерская работа, лучшая операторская работа, лучшая работа художника и художника костюмов, лучшая работа звукорежиссера — присужден фильму «Монгол» Сергея Бодрова. «Нику» за лучшую мужскую роль получил Сергей Гармаш (фильм «12» Н. Михалкова), за лучшую женскую — Мария Шалаева ( «Русалка»), за лучший сценарий — Алексей Попогребского, за лучший фильм СНГ и Балтии — Алеко Цабадзе ( « Русский треугольник »), за лучший неигровой фильм — Сергей Мирошниченко (" Рожденные в СССР. 21 год »). Премия «Честь и достоинство» — Георгий Данелия.

Приз журнала «Кино-Театр»

5 апреля в Актовом зале НаУКМА состоялся заключительный тур Всеукраинского конкурса для детей и юношества «Шевченко в моем сердце». Специальный приз журнала «Кино-Театр» в номинации «Конкурс чтецов» был вручен студентке Луцкого педагогического университета ... за выполнение фрагмента поэмы Тараса Шевченко «Мария».

Актеры у парадного подъезда

17 апреля в Киеве, в книжном магазине издательства «Факел» на Межигорской, 21 состоялась презентация журнала «Кино-Театр» и 4-го выпуска сборника «Мировая киноклассика». Почетными гостями были кинодокументалист Михаил Ткачук и режиссер Андрей Приходько, а также авторы сборника. Перед входом в помещение актеры студенческого театра НаУКМА в красочных костюмах и на ходулях приветствовали гостей вечера.

Рыцарский легион Украины

24 апреля в помещении Дома офицеров Вооруженных сил Украины состоялась церемония вручения наград Рыцарской чести и доблести — ордена «Рыцарь Отчизны» и сабли — новым легионерам. Среди награжденных — актер и режиссер Иван Миколайчук (посмертно). Организатор акции — Международная общественная организация «Ассамблея деловых кругов Украины», которая способствует возрождению экономики Украины, ее культуры и духовности.

В Украине показали «Катынь»

при участии ее автора — польского режиссера Анджея Вайды. Президент Украины Виктор Ющенко вручил режиссеру орден Ярослава Мудрого.

Сам он не пишет сценариев (не единственное исключение — лента «Ограбление», которую режиссер снял в родной ему Британии, и после которой, собственно, его пригласили в Голливуд. Он не имеет конкретных предпочтений в выборе темы и постоянно меняет актеров. Но несмотря на такое многообразий, его фильмы все же отличает мощное авторское начало ... (В них ощутима большое уважение режиссера к кино как изобразительного искусства). И Питер Йейтс чтит традиции киножанре.

Например, лента «Уйти в отрыв» — молодежная комедия. Ее главный герой, мальчик-подросток, который переживает сложный переходный период. Он пробует найти себя, понять свою личность, и с точки зрения его родителей ведет себя несколько неоднозначно. Это история о взрослении, и Питер Йейтс центральными в ней делает велосипедные гонки. Главный герой увлекается велоспортом. Он участвует в турнире, победа в котором означает для него выход во взрослый независимый мир.

В фильме немало сцен гонок, и Питер Йейтс выстраивает их с особым мастерством. Он буквально смакует каждым новым кадром, проявляя в монтаже правдивую режиссерскую виртуозность. Добавим, что эта картина участвовала в оскаровских соревнованиях тысяча девятьсот семьдесят девятого года: она была представлена в двух номинациях «лучший режиссер» и «лучший фильм».

Лента Питера Йейтс «Война Мерфи» ближе к приключенческого жанра. Действие происходит в конце Второй мировой войны. Главный герой — английский солдат, который чудом попал после потопления немецкой подводной лодкой его корабля. Пока солдат восстанавливал здоровье, Германия уже капитулировала. Но главному герою не достаточно такой победы. Он стремится завершить свою войну, и в одиночку отправляется против враждебного лодки. И вновь в фильме несколько виртуозно снятых сцен преследования. Главный герой атакует врагов и небом, и по воде. Он настойчиво стремится достичь своей цели, и, кажется, ничто не может стать ему помехой.

Кроме признаков приключенческого жанра, в фильме также присутствуют элементы комедии. В общем, для Питера Йейтс свойственно работать в комедийном ключе. У этого режиссера прекрасное чувство юмора, и он умеет удачно проявлять его, даже в самых серьезных своих фильмах. К тому же как киновиртуоз, Питер Йейтс имеет способности к пародирования.

Собственно, лента «Год кометы» является пародией на несколько жанров сразу. Она содержит признаки и фильмов-ужасов, и приключенческого экшена и романтической истории. Главная героиня — застенчивая девушка, которая хорошо разбирается в коллекционном вине. Однажды она находит ценный экспонат — бутылку вина, датированную еще наполеоновскими временами. Разумеется, этим ее находкой начинают интересуется еще несколько человек. Кроме того, некий сумасшедший ученый спрятал в этой бутылке формулу омоложения человека, что значительно увеличило число конкурентов главной героини.

Этим фильмом Питер Йейтс пополнил свой послужной «список гонок», помимо прочего, яркой сценой преследования на мотоцикле. Он приставил к главной героини настоящего супермена, благодаря чему история стала немного пикантный. Также эта лента хорошо иллюстрирует умение постановщика параллельно вести сразу несколько историй, а потом эффектно сводить их в финале. Отметим еще одну характерную особенность Питера Йейтс. В его фильм нет неинтересных или нехарактерных персонажей; каждый, даже эпизодический, герой здесь чрезвычайно колоритный.

Фильм «Детектив Буллитт», который демонстрируется в аргументе-КИНО 11 февраля, характерно для творчества Питера Йейтс. Он аккумулирует немало фирменных признаков режиссера. По жанру это — детектив или «полицейский фильм», который приобрел популярности в семидесятых. Главный герой, детектив Буллит, берется охранять прокурорского свидетеля. Питер Йейтс не спешит рассказывать эту историю. Он постепенно можно сильнее закручивает ее сюжет. Однако точку ставит решительно, не колеблясь. И это еще один характерный признак режиссуры Питера Йейтс. Его фильмы, вопреки моде сегодняшнего дня, относительно короткие. Они длятся до двух часов. Однако не требуют послесловия ...

Это был 1964 год. Сюжет фильма строился вокруг путешествия музыкантов, которые едут в соседний город, чтобы выступить на телевидении. Все, что происходит с ними по дороге и впоследствии в городе, является умелым сочетанием художественного вымысла с документальными кадрами. «Вечер трудного дня», с его многочисленными импровизациями и живым концертом, связал рок-музыку с юностью, безмятежностью и свободой.

Однако легкость и рок-н-ролл вряд ли совместимы. Следующей художественной картиной, которая прозвучала на весь мир и в которой лейтмотивом звучали песни рок-групп, стала лента Денниса Гоппера «Безопасный наездник». В самом разгаре молодежных беспорядков она была манифестом нон-конформизма. Фильм Гоппера раз и навсегда связал рок-музыку с протестом. Путешествие двух молодых хиппи не была такой легкой и приятной, как у молодых людей из «Битлз». Дорога свободы для них оборачивалась дорогой смерти ... Гоппер создал яркий прецедент, которому следовали другие.

В следующем, 1970 году, на экраны выходит лента Микеланджело Антониони «Забриски пойнт», где главная героиня, из того же поколения хиппи, подрывает взглядом ненавистный ей ячейка капитализма. Многочисленные взрывы в финале картины сопровождала психоделическая музыка группы «Пинк Флойд», которая чрезвычайно усиливала эффект. Антониони удалось создать незабываемые кадры, в которых разрушение становится основой мировоззрения целого поколения.

Кино быстро адаптируется к рок-культуры. Молодежный протест становится лакомым куском для дельцов. Многие традиционные жанров получают приставку «рок», скажем, опера. Одна из сенсаций кинематографа семидесятых — экранизация рок-оперы Эндрю Ллойда Вебера «Иисус Христос — суперзвезда». В 1973 году ее осуществил кинорежиссер Норман Джуисон. Несмотря на всю условность действа, в Джуисон получилось по-своему убедительное зрелище. Историю распятия Христа он рассказывает в театральных декорациях, расположенных посреди вполне «библейской» пустыне, куда приезжает на репетицию театральная труппа. Таким образом была сохранена основа рок-культуры, которая отчасти опиралась и традиции стихийно сложившихся коммун хиппи и многочисленных любительских театральных коллективов.

Еще один способ рассказать о рок-музыку — заснять биографию знаменитого музыканта. Классическим образцом здесь остается «Дорз» Оливера Стоуна. В конце концов, режиссер снимал, так сказать, поэтическую биографию Джима Моррисона. Мы видим мир его глазами, поэтому «Дорз» является скорее попыткой рассказать о внутреннем мире Моррисона, чем изложить его последовательную биографию. И в картине «Дорз» рок-музыка становится синонимом самоуничтожения. Джим Моррисон, который все время двигался по велению своего сердца, наконец, сумел прожить жизнь ярко и умереть молодым.

Лента Уолтера Хилла «Улицы в огне» развивается в русле подобного кино. Рок-музыка здесь также — символ молодости, протеста и насилия. Есть в фильме и молодая певица, и банда мотоциклистов, которая ее похищает. Наконец, главный конфликт может быть истолкован как борьба за песню. Следует отобрать ее у плохих парней и вернуть хорошим. Рок-н-ролл не умрет никогда!

1913 Де Милль познакомился с Джесси Ласки и Сэмом Голдвин. Вместе они основали студию, которая впоследствии получила название «Парамаунт». Де Милль пробует себя в режиссуре, но и не оставляет продюсерскую деятельность. Наоборот, он придумывает все новые методы рекламирования фильмов. Охоту на звезд.

Считается, что именно Сесил Де Милль свое время открыл актрису Глорию Свенсон. Их обоих можно увидеть в фильме Билли Уайлдер «Сансет-бульвар». Глория Свенсон играет стареющую звезду Норму Дезмон. Ну а Де Милль появляется в роли самого себя ...

Как уже было сказано, режиссер Де Милль поставил около восьмидесяти лент. Он начинал с романтических комедий, но позже переключился на эпические драмы, получив себе признание постановщика-виртуоза различного рода массовых сцен. Самыми знаменитыми его лентами позднего периода является «Самсон и Далила», «Величайшее шоу на земле» и «Десять заповедей». В документальном фильме «Вспомнить е годы» сохранился рекламный ролик картины «Самсон и Далила», которая имела четыре номинации на «Оскара» и, наконец, получила две золотые статуэтки.

Сесил Де Милль умел делать успешное кино. Его фильмы или не всегда приносили прибыль. Однако слава этого режиссера была несколько неоднозначной. В частности, постановщику забросали то, что он слишком пытался сподобитися публике и тем потакал ее не слишком изысканным вкусам.

В частности, французский киноисторик Жорж Садуль писал о нем так: «Фильмы Де Милля напоминают экстравагантные американские небоскребы 20-х годов, выполненные в различных архитектурных стилях, пышные украшения которых, впрочем, лишь умело скрывают обычные сталь и бетон. Неудержимое воображение Де Милля время граничила с откровенным бредом ради непременного желания понравиться своей публике. Однажды он сказал, что зрителям нужны лишь Библия, секс и кровь. Этот лозунг стал формулой его жизни. Он превратил ее в настоящую золотую жилу ».

Кем в действительности был Сесиль Блаунт Де Милль — просто удачным продюсером, действительно гениальным режиссером? Сегодня за него говорят исключительно его фильмы. Так что судите сами ...

Однако, Спартак как историческая личность существенно отличается от мифа о Спартаке. В Советском Союзе (и в целом — в Европе) Спартак, прежде всего благодаря роману итальянца Рафаэлло Джованьоли, стал символом освободительной борьбы — причем и классовой и национальной одновременно. Мол, Спартак боролся против рабства и за освобождение Фракии из-под власти Рима. Современные историки придерживаются другой версии.

Свободный от рождения, воин римской армии Спартак отказался воевать против своих земляков фракийцев и за это был продан в рабство. Его заставили стать гладиаторам. Дальнейшие события — восстания, главные битвы, передвижения повстанцев Италией, гибель Спартака — в целом не отличаются от описанного в художественной литературе. Главные различия здесь — в мотивации многих поступков Спартака, о которых историкам ничего достоверно неизвестно. Отсюда — многочисленные мифы.

В Соединенных Штатах Спартак стал символом демократических и даже либеральных идей. Роман об этом герое 1952 выдал американский писатель Говард Фаст. Фаст был членом американской коммунистической партии от 1944-го до 1957-го года. Он сочувствовал Советскому Союзу и 1952-м даже стал лауреат Сталинской премии. Разочарование советскими реалиями придет позже, а пока молодой коммунист (кстати, выходец из бедной еврейской семьи, некогда эмигрировала в Америку из украинского Фастова) искренне сочувствует идеям социальной справедливости.

И когда в конце пятидесятых годов голливудская звезда Керк Даглес захотел экранизировать роман Говарда Фаста, то прежде всего обратился к автору. Даглес получил сценарий, который не подвергался переносу на экран. Текст состоял из сплошных диалогов и монологов преимущественно идейного содержания. Фастобмежився декларациями и избежал драматургии. Наконец, сценарий написал Далтон Трамбо — еще один голливудский левый, один из тех, которые входили в так называемой «голливудской десятки». Это были кинематографисты, которым комиссия по расследованию антиамериканской деятельности за политические убеждения запретила работать по специальности. Трамбо по-своему посмотрел на фигуру Спартака. Для него важнее предводителя восставших рабов стал его противник Красс, в котором Трамбо увидел прообраз ненавистного ему представителя американского военно-промышленного комплекса. Трамбо писал не про древний Рим, а о современной ему Америку. В свою очередь продюсер картины и исполнитель главной роли Керк Даглес разглядел в действиях Спартака параллели с поступками Моисея. По свидетельствам биографов, известный сионист Даглес в картине хотел воплотить формулу «отпусти народ мой», которая касалась больше израильской истории, чем восстания древнеримских рабов. Частично ему это удалось, особенно в сценах продвижение восставших рабов Италией, где преобладают не военные победы, а вполне мирные события, вроде ведения хозяйства и рождения детей.
Кроме того, Даглес превратил своего героя на почти святого, что не соответствовало исторической правде — Спартак был достаточно жестоким военачальником.

В конце концов, для понимания ленты важен еще и взгляд на ситуацию режиссера-постановщика картины Стэнли Кубрика, который был приглашен в проект Керк Даглесом. Впрочем, Кубрик не стал исполнителем чужой воли, и в «Спартаке» явственно ощущается почерк великого кинорежиссера. Кубрик тяготел к эпоса. Ему нравились панорамные съемки. Особенно — покрыто тучами небо, которое прославит режиссера в фильме «Барри Линдон». Вместе Кубрик почти никогда не выпускал из поля зрения главного героя. Таким образом пейзаж в его картине оказывается максимально «очеловеченных», даже символическим, чего не было в голливудских блокбастерах пятидесятых годов. Еще одна новация Кубрика — работа с актерами Лоуренсом Оливье, Питером Устиновым и Чарлзом Лаутоном. В отличие от американца Даглеса, они представляли британскую актерскую школу с ее психологизмом и склонностью к нюансирования чувств. И это также отличало «Спартака» от многих тогдашних лент. Получилось то, что получилось — трехчасовая фреска о противоречивого героя античности, что снятом несколькими противоречивыми, но очень талантливыми кинематографистами. Сегодня это настоящая классика.