Они катастрофически мало гастролируют, и только проверенными маршрутами. Но ограниченную концертную деятельность «FLEUR» можно объяснить повышенными требованиями к транспортировке музыкантов и инструментов. Неудивительно, ведь в составе весьма нетрадиционный набор Дивайс: гитары, клавишные, виолончель, контрабас, скрипка, флейта, синтезатор-сэмплер и множество перкуссии...

Еще одно выявления загадочности и таинственности: «FLEUR» крайне редко можно увидеть в каком другом городе, кроме родной Одессы и Киева. «FLEUR» не позиционируют себя, как клубная команда, однако атмосферу выступлений в залах консерваторий ценят больше, чем концерты в арт-клубах.

Поэтому абсолютным эксклюзивом стала презентация новой программы группы в одном из столичных клубов, который ну никак не приспособлен для восприятия подобного музыкального продукта и, скорее всего, еще просто не привык к этому ...

Тот, кто хотя бы раз решился сунуть любую пластинку «FLEUR» к своему дискера, знает: это музло имеет гипнотический характер. Начав слушать первый трек «Прикосновения», непременно захочется окунуться в него до последней ноты ... А на следующий день пойти в магазин и скупить весь «FLEUR», что когда-либо был выдан ... То же уже четвертый альбом (после трилогии «Прикосновение» — « Волшебство »-« Сияние ») в живом исполнении приводит к такому же незабываемого эффекта, как и прослушивание« FLEUR »в домашних условиях ... Думаю, следует посоветовать лейбла, которые выдает, писать на боксах компактов оговорка:« Прослушивание этого музыкального продукта во время управление автомобилем, особенно в наушниках, весьма опасно для вашей жизни! ... »Это, конечно же, вовсе не означает, что« FLEUR »имеет целью убаюкать своего слушателя. Скорее, это — интеллектуальный релакс. Поверхностное ознакомление с их творчеством — жестокая несправедливость ...

Итак, концерт напоминал именно сеанс коллективной медитации. Чтобы ввести слушателей в медитативное состояние музыкантам хватило сыграть всего пару вещей. И вот уже большинство публики, которая привыкла к потреблению пельменей с пивом под лучшие образцы столичного панк-рока, не сводит глаз со сцены и максимально напрягает уши, с открытыми ртами ... И с первых нот становится ясно: это тот самый «FLEUR» — загадочный , таинственный, в чем-то мистический, чрезвычайно проницательный ... И в новой программе так же присутствует все то, за что «FLEUR» невозможно не любить: фантастические по глубине и эмоциональностью тексты песен, гениальная мелодика и, бесспорно, лучшее, что отличает «FLEUR» — образность музыки ... Образы возникают неизвестно откуда, в результате адекватной реакции на каждую басовую нотку, каждое нажатие клавиши, каждый звук флейты, каждый скрипальський пассаж, каждое поэтическое слово.

Парадоксальное явление, но внешняя общая депрессивность коллектива (кстати, она никогда не производила впечатление имиджевой требования) оставляет исключительно положительные впечатления, возвышенные эмоции и счастливые улыбки. Более двух часов абсолютного удовольствия и, наконец — долгожданный выполнения вещей, которые уже успели стать культовыми ... И про девочку, которая не придет, потому что плавает в формалине, и о том, что всюду прошел ремонт, и трагическая исповедь обездоленного маленького плюшевого сердца, и надрывное просьбе «Пожалуйста, будь моим смыслом !!!..»

Так 6-го апреля в кафе «У Бекира», Дом и Интерьер (бывший Golden Palace), ул. Чкалова, 35, 2 этаж в 20-00 состоится поэтический вечер «Он и она» при участии Марьяны Савки и Марианны Кияновской.

7 апреля в 18-00 в кафе Экспо-центра «Метеор» в рамках проекта «Художественные Zтравы» состоится творческий вечер с адептами актуальной украинской литературы — Софией Андрухович и Андреем Бондарем. Днем 7-го апреля в 14-00 в Экспо-центре «Метеор» состоится пресс-конференция с их участием. Творческий вечер состоится в 18:00 в кафе Экспо-центра «Метеор» (ул. Большевистская, 27-а).

О наших гостей:

Марьяна Савка и Марианна Кияновская

Несколько ежедневное

Что является ежедневным для двух поеток из Львова — Марьяны Савки и Марианны Кияновской?

Например, их имена. Марьяна и Марианна — обычное совпадение? Или совпадение необычный? Родившись одного года, вместе учатся на украинской филологии Львовского национального университета им. И. Франко. Итого — кстати, и с Юлей Мищенко ( "Талита Кум) — создают перформансов и писать стихи, иногда — на парах, пытаясь прожить свою студенческую жизнь так, чтобы не было мучительно больно за бесцельно и безрезультатно прожитые годы. Их стихи становятся все интереснее После 1994 Марьяна Савка и Марианна Кияновская регулярно публикуют свои тексты в журналах — конечно, не каждый день, но в каждой до сегодня уже набралась солидная библиография, некоторое время (1998—1999 гг.) они сотрудничают с львовской ежедневной газетой «Поступ »: Савка — как критик телевизионных программ и автор постоянной рубрики интервью с известными людьми, Кияновская — как ведущая постоянной рубрики« Книжный прогресс ». Марьяна и Марианна — универсальные писательницы в самом широком смысле этого слова, настоящие люди письма, и хотя ныне сферу их интересов несколько разные (в Марьяны, кроме поэзии, — прежде всего детская литература, в Марианны — поэзия, проза, литературная критика, переводы), именно поэзия является той территорией, на которой Марьяна Савка и Марианна Кияновская не только сосуществуют и взаимодополняющихся, но и просто есть, потому что есть — искренними, честными и серьезными (не без чувства юмора), и именно это для Марьяны и Марианны — несколько ежедневное.

Савка — поэтесса, детская писательница, литературовед, публицист, главный редактор «Издательства Старого Льва». Родилась в городке Копычинцы Тернопольской области. В юности занималась пением и театром. 1995 г. во Львове окончила университет (украинскую филологию). В студенческие годы принадлежала к женскому литературного группировки ММЮННА ТОСКА. Автор поэтических сборников «Обнаженные русла» (1995), «Рисунки на камне» (1998), «Горькая Мандрагора» (2002; книга стала лауреатом IX Форума издателей во Львове), «Любовь и война» — в соавторстве с Марианной Кияновской (2002 ), монографического исследования украинской эмиграционной прессы на территории Чехословакии и нескольких книг для детей.

Поэзия печаталась в таких литературных журналах и альманахах: «Современность» (Киев), «Световид» (Киев-Нью-Йорк), «Курьер Кривбасса» (Кривой Рог), «Четверг» (Ивано-Франковск; Львов), « Плерома »(Ивано-Франковск),« Nemunas »(Вильнюс),« Королевский лес »(Львов),« The Ukrainian Quarterly »(New York) и др. Есть в нескольких поэтических антологиях, в частности в антологии одиннадцати поеток «Мы и Она». Поэзия М. Савки переведена на польском, английском, белорусском, русском, литовском языках.

Член АУП и НСПУ. Лауреат Международной журналистской премии им. Василия Стуса за книги стихов (2003).

Марианна Кияновская — поэтесса, переводчик, критик и литературовед, координатор Львовской ячейки АУП. Родилась в городе Жовква Львовской области. 1997 окончила Львовский национальный университет (украинскую филологию). В студенческие годы принадлежала к женскому литературного группировки ММЮННА ТОСКА (18 поэтических перформенсов тоски в 1992 — 1997 годах состоялись во Львове, Киеве, Ивано-Франковске). В январе 1999 года — участник акции «Январь Уяздовская» (Варшава). В апреле — октябре 2003 г. — стипендиат программы Министр культуры Польши "Gaude Polonia». Ведущая рубрики «Новая польская литература» (журнал «Курьер Кривбасса», 2004—2006 гг.) Автор шести поэтических книг: «воплощение» (Львов-Киев, 1997); «Венки сонетов» (Париж-Львов-Цвикау, 1999), «мифотворчества» (Киев, 2000), «Любовь и война» (в соавторстве с Мар ' яной Савкой; Львов, 2002), «Книга Адама» (Ивано-Франковск, 2004), «Обычный язык» (Киев, 2005), а также более тридцати подборок стихотворений, опубликованных, в частности, в журналах «Современность», «Кур ' єр Кривбасса »,« Световид »,« Четверг ». Произведения переводились на английском, белорусском, польском, сербском, русском языках; участник нескольких антологий. Публикации собственных переводов — в журналах «Современность», «Курьер Кривбасса».

София Андрухович родилась 17 ноября 1982 в Ивано-Франковске — писательница, переводчица и публицистка. Автор прозаических книг «Лето Милены» (Киев: Факел, 2002), «Старики» (Ивано-Франковск: Лилея-НВ, 2003) и «Женщины их мужей» (Ивано-Франковск: Лилея-НВ, 2005), а также ряда публикаций в периодике. Лауреат литературной премии издательства «Факел» (2001). Стипендиатка польско-немецкого писательского стипендиального проекта Homines Urbani (Краков, 2004). Перевод с польского языка роман Мануела Гретковська «европейка». Спивредакторка журнала видений и текстов «Четверг» (2003—2005). Живет в Киеве ...

О Софии Андрухович:

«Женщины мужьями» — это сборник рассказов, которая читается залпом. Хотя сборники рассказов так не читаются никогда. Так читаются только приключенческие романы, и то в возрасте не старше от пятнадцати лет. Софийка повествует о женщинах, но с таким же успехом это могли бы быть рассказы о зеленых игуан. Ведь на самом деле это тексты о мире, а мир можно нарисовать кем угодно. Просто так совпало, что Софийка лучше видит мир сквозь женщин, а не сквозь зеленых игуан. Виктория Нарижная ( «Артвертеп»)

«Королевская притча, яркий видеоклип, трогательный мини-роман, мудрый шутка, позамодерна сказка, битком засеяны мифологемами до боли знакомые горы и мощеные улицы — вот что такое очередная сфинксова загадка от принцессы украинской литературы Софии Андрухович.» Олег Кочевых ( «Зеркало недели» , № 43, 2004)

«Именно в таких текстах надо тщательно искать то, что обычно предоставляется до мгновенного ирония, — вселенский сумм или болезненную екзистенцийнисть. Вещи, о которых говорить серьезно считается дурным тоном или «пьяным базаром», а потому их нужно вуалировать или игнорировать, потому что литература без них обойтись не может. Андрухович С. — писательница. Пока рано забрасывать ей как минимум «влияния» и «перепевы» Андруховича Ю. конце концов, она могла взять псевдоним, но смело обозначила свою частную «преемственность поколений». Татьяна Щербаченко, ( «Книжник Ревю»)

Андрей Бондарь Андрей Бондарь, поэт, переводчик и публицист. Родился 14 августа 1974 года в городе Каменец-Подольском. Окончил Национальный университет «Киево-Могилянская академия». Автор поэтических сборников «Весенняя ересь» (Киев: Факел, 1998), «Истина и мед» (Одесса: Астропринт, 2001) и «Примитивные формы собственности» (Львов: Пирамида, 2004). Лауреат литературной премии издательства «Факел» (1997). Автор многих статей и эссе в украинской и зарубежной периодике. Главный редактор газеты АУП «Литература плюс» (1998—2000), редактор и колумнист «Книжной лавки» в еженедельнике «Зеркало недели» (Киев). Переводчик романа В. Гомбровича «Фердидурке» (2002). Участник многочисленных литературных акций и фестивалей в Украине и заграницей. Принимал участие в пан-европейском проекте Literaturexpress Europa 2000 и фестиваля Poetry International 2005 в Роттердаме (Голландия). Стипедиат Министра культуры Республики Польша (стипендия Gaude Polonia, 2003) и Homines Urbani (Краков, 2004). Живет в Киеве.

Об Андрее Бондаря:

«Вообще у Андрея Бондаря ощутимый латентный влечение к прозе. Своими верлибрами он денонсирует пакт о границах между поэзией и прозой. Своими верлибрами он осуществляет художественную аннексию территории прозы. Своими верлибрами он фактически заявляет, что, если бы взялся за прозу, это было бы не менее интересно, чем те книги поэзии, которые он уже подготовил и выпустил ... »Ярослав Голобородько (« Курьер Кривбасса »)

Его личность рассматривается с различных сторон — психологически-творческой, нравственной, социальной, мистически-непостижимой. Не в последнюю очередь такой интерес (по крайней мере в нашей стране, где львовский «Амадей» — не единичное представление о Моцарте) связан с реакцией на тотальный естрадоцентризм и массовую попсовизацию, когда девальвировалось само понятие музыки, а искусственно раздутые культы попсовых звезд стремятся привлечь интерес к себе, независимо от наличия или отсутствия голосовых данных и музыкального таланта. Для тех, кто еще не попал в зависимость от псевдокультив, спасение единственный — настоящая музыка, и кто постоянно уверяет нас в неизменности ее вершины, — это Вольфган-Амадей Моцарт.

Конечно, сегодня и его имя не защищено от спекулятивных манипуляций и рекламной сувенирности (в Зальцбурге, где он родился, — очаровательном городе среди не менее волшебной природы — масса сувениров украшены лицом гения, тогда как туристу, который попадет туда на 1-2 дни, не всегда повезет послушать его музыку в концертном исполнении, и компенсируют это уличные музыканты, которые даже на балалайках играют бессмертные концерты).

Но если уж зашла речь об Австрии, то уместно вспомнить, что во Львове — одной из столиц бывшей Австро-Венгерской империи — высокая музыка всегда была в почете и ей отдавали и отдают должное. Вот в таком ракурсе и взглянем на спектакль «Амадей», где пересеклись человеческие страсти и где показано, как гения уничтожило окружения, которому он просто мешал.

В спектакле четко очерчены противоборство полной свободы самовыражения (гений уверен, что имеет на это право) и неприятие его выходок и выкрутасов другими людьми — солидными и степенными. Образ Амадея в темпераментном исполнении Ю. Хвостенко, кстати, дебютанта, — лишнее свидетельство того, что огонь гениальности настолько мощный, что обжигает не только окружающих, но и самого гения: мы видим его тотальное раскованность, которая приобретает формы безрассудства. Гений проявился рано, и это показано через восприятие юного Моцарта императором Австрийским Иосифом II — тот раз за разом повторяет: «Будет праздник! Будут фейерверки ».

Действительно, у большинства любителей музыки понятие «Моцарт» и «праздник» неразрывны. Но по мере развития событий все неможливишим становится хоть какой статус Моцарта при королевском дворе: здесь уже окружения Иосифа II — и директор императорского оперного театра Франц Орсини-Розенберг, и префект императорской библиотеки Готфрид ван Свитен, и граф Иоганн Килиан фон Штрех, а особенно, главный капельмейстер Антонио Сальери, — стеной станут между королем и юным гением, чтобы не допустить Амадея даже в должность учителя музыки, тем самым лишив его и семью средств к существованию. Не повезло ему со спутницей жизни: неравный (в творческо-интеллектуальном смысле) брак вызвал много поневирять. Но ведь не зря говорят: «браки создаются на небесах», иначе чем объяснить, что Амадей избрал Констанцию Вебер, пойдя против воли своего отца, который считал избранницу сына легкомысленной лицом. Можно понять отца, ведь он все сделал, чтобы продемонстрировать европейскому отборные публике музыкальную гениальность собственного чада, а тут вынужден был, очевидно, не без боли отречься от него, не желая его поддерживать и спасать от голодной смерти. Н. Шепетюк в роли Констанции органична и убедительна. Мы видим экспансивную девушку, которая охотно отдается игре, ничуть не заботясь о мнении посторонних. Ее стихия — это наслаждение от забавляння и выходок. В этом также актуальность спектакля: немало сегодня таких Констанций, которых ничем не заинтересовать, ведь собственно его застилает им окружающий мир. Такие лица в большей степени разрушают, чем способствуют творчества, поэтому этот фактор также сыграл свою роль в уничтожении гения. На наших глазах блеск славы Амадея тускнеет — без опеки влиятельных людей он обречен на гибель.

Легенда о «черного человека», пришедшая к холодному и скудного проживания Моцарта, чтобы заказать написать «Реквием», неотделима от легенды о самом Моцарта. По той же легенде, это был если не Сальери, то его посланник. Почему же Сальери, успешный итальянский музыкант, так не терпел Моцарта? В спектакле показано противостояние между искусным ремесленником и гением. Есть в ней и непрозрачный намек на межнациональные трения между Сальери и Моцартом, точнее, на противостояние различных школ музыки (также актуален для украинского зрителя мотив). Итальянская музыка в ХVIII веке доминировала. Моцарт-композитор творил музыку австрийскую, отличную от господствующей, и резко высказывался против «италийчикив». Итальянская музыка имеет свои чары, как и австрийская. Речь шла о том, что итальянская музыка невысокого качества (ее олицетворял Сальери) не должна вытеснять музыку другого народа. В этом смысле достойно большого уважения отчаянное отстаивание Моцартом собственной оперы, ведь только личное вмешательство Иосифа II спасло ее постановку от Моцартових недоброжелателей.

Моцарт знал себе цену. Знал ему цену и Сальери — именно потому и делал все, чтобы устранить соперника. Богдан Козак вложил в своего Сальери определенное обаяние зла. Актер не осуждает своего персонажа, он его раскрывает, чтобы показать действие механизма элементарных зависти. Это также универсальный мотив в мировом искусстве, и всегда актуален. Гении способны творить, но они слишком беззащитны и «пидсталяють» себя под удар. Они отнюдь не дипломаты, отнюдь не правильные и не покладистого.

Дистанцию выберем не очень близкую и во времени, и в пространстве. Подчеркнем: это не модная ныне ностальгия, потому что нас тогда и там не было, 1931 год имел место за несколько десятилетий до рождения автора этих строк. Это скорее — «туризм» в смысле взгляда на пейзажи за окном поезда, бежит по рельсам над или рядом с этими видами. Зазиратимемо иногда и в годы предшествующие или позже, чтобы не потерять динамическое восприятие времени.

В мире вне рамок нашей родины (СССР и Украина той же эпохи — тема другого, более детальной разговора), визуальная культура 1931 обозначена крайней мере одним специфическим явлением. Это безудержная пролиферация знаков-образов фильмов ужаса, которые с того времени и поныне станут каноническими и «классическими».

«Хоррор», о которых пойдет речь, спродуковано основном в США; хотя действие, как правило, происходит в Старом свете, так сказать, на «родине монстров». Карл Лемли — тот, кто предыдущего 1930 продюсировал широко распространенную, сразу же опротестовано шовинистической критикой и в Германии, и в СССР экранизацию ремарковских «На Западном фронте без перемен» (реж. Льюис Майлстоун), — в 31-м переходит от реального ужаса войны к фантазматичних ужасов бессознательного.

Его продюсерство человечество обязано сразу двумя порождениями кино — 1931: «Франкенштейном» и «Дракулой». Между прочим, того самого 1931-го сделал «Вампиры» (во Франции) датчанин Карл Теодор Дрейера, но его лента получилась несколько иной. В ней воплощены личностную диссоциацию, отчуждение от себя, размытый ужас без властной инстанции, способной гипнотически действовать на индивида. В американской продукции видим работу бессознательного западного человека, втянутой в очередной тур масовизации и, следовательно, психотизации в более чистых виде.

Символическое, взятое само по себе, по словам Жака Лакана (он 1931 года, кстати, работал над жизненным проявлением хоррора — «случаем Эме», образцом параноидального отчуждения) преобразуется в тягу к смерти. Вытеснен, вместе с угрозой «тотальной мобилизации», идущей с Востока, советского и отчасти германского, этот поезд возвращается в образах вампира (Дракула — Бела Лугоши), искусственного человека (монстр Франкенштейна — Борис Карлофф), в следующем году — зомби, позанаступного — мумии, то есть всего мертвого, способного повлечь за собой «по ту сторону» живет. Чтобы зритель не ошибся, «Дракула» 1931 и «Мумия» 1933-го продюсера Карла Лемли и режиссера Тода Браунинга начинаются одинаковой музыкой из «Лебединого озера». Однако в «Мумии» (в первом, а не в продолжении «Рука мумии» 1940 г.) роль живого мертвеца играет Б. Карлофф; Б. Лугоши выполняет ее в «Белом зомби» Эдварда Гальперина (1932). Почему такой выбор?

Власти вампира, по крайней мере того, какого видим на экране — в его глазах. Жертва не способна сопротивляться взгляду «большого Другого», непристойной материализацией которого является кинематографический монстр, так же, как, кстати, харизматичный лидер в жизни. Не будем заниматься здесь перепевом «От Калигари до Гитлера» Зигфрида Кракауера; обратите лучше внимание на одну сугубо лаканивську деталь мифологии вампиризму. Вампир не отражается в зеркале. Поскольку человеческое «эго» — именно зеркальный двойник, в вампира «эго» отсутствует.

Идентификация возможна, следовательно, не с маленьким эмпирическим «другим», а только с «именем мертвого отца» как источником перверсивного приказа наслаждаться. Вампир — как и перверт, как и тоталитарный вождь, — видит себя не в «других» с их желаниями, а в той позиции, с которой может задавать им невыносимое вопрос: «Чего ты хочешь?», И сам за них на него отвечать . Он — то орудие наслаждения «Другого», которое высасывает из других удовлетворения «эго».

Ежедневно в Калифорнии врачи, юристы, клерки, полицейские создают 300 сценариев. На рынках их ежегодно выбрасывается более 10 тысяч около 2 тысяч из них находят покупателя и лишь 300 — 400 попадают на экран, в основном в переработанном виде. Пишут все, потому что это теоретически может обогатить автора. В 1985 — 94 годах было закуплено 393 сценарии за миллион и более долларов. Правда, в различных лотереях за этот период выиграла такую же сумму в три раза большее число счастливчиков — без пота, слез и таланта. И все же, успешные сценаристы зарабатывают ежегодно более 50 тысяч долларов и 50 тысяч авторов ждут свой шанс.

Чтобы зацепиться в этом ремесле, нужно быть членом WGA, с которой сотрудничают все киностудии и агентства. Последние имеют разное количество агентов — от одного до ста. Агентства, за успешного сведения автора с покупателем (продюсером или режиссером), получают своих 10% стоимости сценария, зато все юридические процедуры берут на себя. Можно также воспользоваться услугами менеджера, который хочет 20% стоимости без юридической защиты. Чтобы стать членом WGA, нужно внести 2500 долларов и платить 1,5% доходов от продажи своего труда. Зато союз защищает, судиться, бастует, борется со штрейкбрехерами и, наконец, обеспечивает достаточную плату за работу.

Недавно сценаристы объявили забастовку, протестуя против нежелания студии делиться доходами не только по прокату фильмов и телетрансляции, но и с продажи компакт-дисков. Союз основанная в 1933 году, насчитывает около 8 тыс. членов, половина из которых пепстоперы, либо авторы только одного сценария, следовательно постоянно 2500 сценаристов пишут для телевидения и 1500 — для кино. Членство в WGA не гарантирует ни труда, ни заработка. Каждый год только 43% членов союза находят заработок в 60 тыс. долларов, и только некоторые из них зарабатывают вдвое больше. Союз регистрирует каждый поданный сценарий, но это не дубляж общепринятого защиты авторских прав в соответствующем конгрессового комитета (Copyrigt), а лишь утверждение даты написания сценария на случай исков о плагиате, и эта регистрация происходит значительно быстрее.

Ежегодно WGA регистрирует около 30 тыс. произведений, в т. ч. стихи, повести, песни. Можно произведение перерегистрировать, если он изменился на 30%. Было несколько громких дел по поводу плагиата, но в Голливуде не любят судов, поэтому предотвращают юридическими процедурами, чтобы их не было. Наконец, профессионалы не регистрируют своих сценариев, поскольку они сразу запускаются в производство, а агенты всегда имеют нужные документы.

Начинающие должны найти агентов и ждать иногда годами, пока, после советы рецензентов, смогут организовать встречу автора с продюсером или режиссером. Авторы даже посещают курсы актерского мастерства, чтобы уметь за несколько отведенных минут на встрече убедить покупателя, что его произведение является лучшим и нужным именно этой студии. Автор должен иметь более одного сценария — тогда шансы реализации увеличиваются. Агенты, замучены графоманами, заботятся о своей репутации, поэтому личные отношения не в счет — произведение должно соответствовать существующим критериям.

Преимущества опытным: либо победителям различных конкурсов, или выпускникам киношкол. Существует целая процедура договариваний о встрече с покупателем, нужно иметь сокращенный вариант, уметь написать вступительный письмо (заявку). Если 5% писем, оставленных агентом с предложением, их заинтересовали, то это можно считать успехом, поскольку на них обычно не реагируют, и тщетно искать справедливости. Существует 10 советов, как получить себе агента, и 10 предостережений, как его не оттолкнуть.

Лучше находить молодых агентов, тоже ищут новых клиентов. Крупные студии не доступны начинающим — там конвейер, закрученный на испытанных авторах, поэтому шанс продать сценарий является в малобюджетных студиях или кабельных и сателлитных телестудиях, где не гарантировано авторские права, иногда должен согласиться на соавторство. Если покупатель предлагает продать лишь замысел за 10 тыс. долл., то обязан соглашаться, потому что другой случаю может и не случиться.

Самое важное в процессе продажи своего произведения — иметь информацию о планах студии, перспективы твоего жанра и находиться в кругу нужных людей и в нужное время. В этой среде не любят бедняков, следовательно за неудачи не следует показывать отчаяние — оптимист всегда в лучшей ситуации. Не нужно также давать использовать себя. Члены WGA не имеют права работать даром — делать поправки или переделывать то по просьбе продюсера или режиссера. В контракте могут быть параграфы о некоторых изменениях, но ни слова не следует изменять без оплаты, потому что Голливуд любит возбуждать чувство вины.

Американские киношколы имеют большой конкурс: несколько сотен претендентов в несколько мест. Лучшие из них: Университеты — UCLA (Лос-Анджелес), USCC (Южная Калифорния), NYU (Нью-Йорк), AFI (киноинститут. Большинство имеют магистерские студии режиссуры, киноведения и кинодраматургии. Школа не заменит таланта, но облегчит начало карьеры, усовершенствует ремесло через контакт со специалистами. Написание сценария занимает несколько месяцев, плодотворные пишут в четырех сценариев в год, другие продают только замыслы — до нескольких десятков ежегодно, — и быстрее приобретают популярность.

Постоянные контакты способствуют ориентации в требованиях рынка, которые каждый год меняются, поэтому лучше потратить время не на написание сценария, которого никто не нуждается, а на изучение конъюнктуры рынка. Это не значит, что надо верить каждому продюсеру, но если их оценки совпадают, надо предлагать другой ассортимент, потому что покупатель всегда прав... Такие будни шоу-бизнеса.

Писание — это самый одинокий аспект работы в кино. Месяцами творишь мир, который неизвестно, оживет на экране. Чтобы не терять мира за окном, надо встречаться с людьми, которые оживят твой бумажный мир, но никогда не забывать, что его реализация зависит от активности агента, позитивного впечатления на встрече с покупателем, умелых переговоров и умение убеждать, что лучшего сценария больше никто в этом мире не предложит именно сейчас, потому что такие реалии империи Голливуд. Стоит ли им подражать? Очевидно, в чем стоит, потому рыночных законов никто не отменит.

В нем едва ли не впервые Джордж Клуни предстал в неожиданном для себя комическом амплуа. Впоследствии актер мечтать сниматься в комедиях, но 1988 такой слишком веселый контекст не был по душе молодому актеру. По словам Клуни, в начале девяностых он брался за любую роль, чтобы только как-то выжить. А первый успех связан с телевидением. Его прославил доктор Даг Росс из телесериала «Скорая помощь». Серьезный, добрый, уравновешенный доктор Даг был неким Айболитом для взрослых и детей.

А уже работа в картине Роберта Родригеса «От заката до рассвета» превратила Клуни за звезду. Автор сценария и исполнитель одной из главных ролей Квентин Тарантино вспоминал: «Клуни пленил меня» — настолько магнетической была харизма актера. В Клуни здесь роль одного из грабителей и убийц братьев Гекко, которые пытаются бежать в Мексику. Герой Джорджа Клуни — Сет — более спокойный и умеренный, чем его бешеный брата Ричард. Картина Родригеса наполнена пулеметными диалогами и активным действием, что позволило актеру разносторонне проявить себя. В роли Сета Гекко Клуни пленил всех. Его дальнейшие киноработы были только развитием найденного образа.

Доказательством звездного статуса актера стала роль Бэтмена в картине Джоэла Шумахера «Бэтмен и Робин». И хотя лента не несла каких-то откровений, Бэтмен Джорджа Клуни выглядел по-земному убедительным. Это некий коктейль из Дага Росса и Сета Гекко — двух его самых знаменитых героев: днем Бэтмен был примерным гражданином, а ночью давал волю своей темной половине. Вместе Клуни заслужил статус самого сексуального летучей мыши в истории и попал в центр внимания таблоидов.

И хотя слава актеру нравится, Джордж Клуни ищет в жизни и кино разнообразия. Он хочет играть в комедиях. И здесь «руку помощи» неугомонному лицедея протянули братья Коэны. 2000-го года он фильмуеться в их феерической картине «Где же ты, брат?», Которая была своеобразным перепевом Гомеровского «Одиссее». Собственно, герой Джорджа Клуни, Луи Эверетт Макгилл и был этим современными Одиссея, что во времена Великой депрессии преодолевает длинный путь домой. Картина «Где же ты, брат?» Является наполовину мюзиклом, и Клуни сам исполнял в ней песни.

В конце концов, актер не покидает блокбастеров. 2001 года он фильмуеться в картине Стивена Содерберга «Одиннадцать друзей Оушена» — криминальной комедии об ограблении казино. «Мне нравятся такие картины — говорит актер, — потому что они позволяют финансировать серьезные проекты». Вместе с Содербергом он основал кинокомпанию Section8, которая производит художественные ленты. За одну из них 2006 Клуни получил «Оскара». Это была картина «Сириана». Его герой, агент ЦРУ Боб Барнс, пытается изменить политику американского правительства в отношении стран Ближнего Востока.

«Сириана» стала явлением в политическом кинематографе нового тысячелетия, однако это не первая картина, где Клуни заявляет о своей политической позиции. Первой стала лента «Исповедь опасного человека», которая демонстрируется в Аргумент-КИНО. Джордж Клуни здесь также играет роль специального агента. И на этот раз образ сотрудника секретных служб лишен человечности и сострадания. Его Джим Берн является этаким дьяволом, главная задача которого — соблазнить и погубить невинную душу. Не стоит и говорить, что дьяволу все удается. Ведь он — Джордж Клуни.

«Мятеж на» Кейни "снято 1954 года. В его основе лежит роман писателя Германа Вука. Сюжетные перипетии идут на американском эсминце времен Второй мировой войны. Главная роль — у одного из выдающихся голливудских актеров всех времен Гамфри Богарта. И стоит заметить — эта роль является нетипичной и одной из лучших в его карьере. Богарт играет капитана, который приходит на корабль и сразу же железной рукой устанавливает свою власть. После этого события развиваются чрезвычайно драматично ...

Собственно, сценарий фильма следует не столько по роману Германа Вука, в свое время был награжден престижной Пулитцеровской премией, а уже по популярной бродвейской пьесе, сделанных по мотивам этого самого романа. Драматургический материал дарил актерам много возможностей, чтобы показать свой талант. И таким образом Гамфри Богарт чрезвычайно убедительно создал образ параноидального капитана Квига. Когда его позже спросили, как удалось достичь такой достоверности, Богарт, не без юмора, ответил: "Просто. Все и так знают, что я чокнутый "...

Но в этом выпуске АРГУМЕНТ-КИНО предлагается рассказ не о творчестве Гамфри Богарта, о котором мы в нашей программе говорилось неоднократно. В сюжете Игоря Грабовича пойдет речь о другом выдающегося американского киноактера — Ли Марвина. Если для Богарта 50-е годы — это завершение и кинематографического, и життяевого пути, то для Марвина — только начало успешного актерского прогресса. И его роль в фильме «Мятеж на» Кейни "- один из первых в карьере.

Попутно — одна интересная кинематографическая история, связанная с «Мятеж на» Кейни "... Оказывается, название этого фильма в свое время неожиданно помогла блестящему британскому актеру, что его настоящие имя и фамилия — Морис Майклвайт. Свое артистическое псевдо Майкл Кейн (а речь именно о нем) выбрал совершенно случайно. В далекие 50-е во время телефонного разговора киностудийный агент потребовал от него немедленно назвать свое творческое псевдо. Актер-начинающий осмотрелся в телефонной будке, через стекло увидел афишу ленты «Мятеж на» Кейни "и машинально назвался Майклом Кейном ...

Если же говорить о режиссере этого фильма (сюжет о его творчестве подготовила Олеся Лукьяненко), то она была правдивой кинопрофессионалам, умел в этой сфере делать практически все! И все же лучше чувствовал себя в павильоне. Ему ближе были локальные ситуации. Собственно, такие, разворачивающиеся в картине «Мятеж на» Кейни ". Между прочим, семь номинаций на «Оскара»! Классика большого американского кино, один из его легенд ...

За годы своего существования вестерн потерпел многих мутаций. Его темы, его герои менялись вместе с настроениями общества. Собственно, вестерном можно назвать каждый приключенческий фильм, действие которого происходит на Диком Западе Северной Америки времен завоевания его белыми. Однако можно выделить несколько классических тем этого жанра: это — борьба с индейцами, поиск золота, противостояние нескольких бандитских группировок и т.д.

1939 знаменитый американский режиссер Джон Форд снял картину «Дилижанс», которая на многие годы определила каноны жанра. Собственно, эта лента является классическим вестерном. В ее основе — моральный конфликт. Главный герой, бесстрашный ковбой в исполнении Джона Уэйна, прежде всего является борцом за справедливость. Он бежит из тюрьмы, чтобы отомстить за смерть своего брата.

Кроме него пассажирами дилижанса есть еще шесть человек, и, собственно, на их отношениях и сосредоточено основное действие фильма. Дилижанс двинется прерии к военному форта, и любой момент может быть атакован индейцами. Герои по-разному ведут себя в такой экстремальной ситуации. И, собственно перед лицом смерти, как нельзя лучше проявляются особенности их характеров.

На счету режиссера Джона Форда около ста пятидесяти фильмов, большинство из которых являются вестернами. Собственно, этот титан американского кинематографа обычно так и представлялся: «Я, Джон Форд, режиссер вестернов». Но он считается не только отцом классического вестерна, но и, так сказать, одним из постоянных модернизаторов этого жанра.

1956 Джон Форд снимает ленту «В поисках». Главного героя играет тот же актер, Джон Уэйн. Только теперь он — трагический персонаж. Итан Эдвардс отправляется на поиске своей племянницы, похищенная индейцы. Эти поиски затягиваются на многие годы, и тем временем меняется характер главного героя. Душа Итана Эдварда становится все черствишою. Ему уже не достаточно физической смерти индейцев, он также стремится к уничтожению их духа. Итан считает, что лучше умереть, чем жить среди краснокожих. И никто не знает, оставит ли он племянницу живой, когда найдет ее.

Уже с первых ролей Бардема было понятно, что он очень киногеничной - особенно его тело. Акцентируя на мускулистой телосложению актера, режиссеры и предлагали ему соответствующие роли. В начале своей кинокарьеры Бардем играл преимущественно истинных мачо и быстро стал секс-символом. Впрочем, эта его игра в разные сексуальные образы, так сказать, отстраненная и несколько ироничная. Он пытается максимально освободить свое тело от внутреннего «я» — стать, так сказать, безликой плотью. В фильме Бигас Луны «Ветчина» актер играет именно такого персонажа. Он всего лишь мужское тело — объект  женского либидо.

Хавьер Бардем и в дальнейшем экспериментировать со своей плотью. Он испытывать ее гибкость и способность к перевоплощениям. Но актера все меньше интересуют роли, которые лишь акцентируют на его естественной сексуальности. Он, наоборот, пытается избавиться от приобретенного титула секс-символа и для этого вступает в своеобразную конфронтацию с собственным телом. В фильме Педро Альмодовара «Живая плоть» Бардем играет полицейского, у которого в результате несчастного случая парализованы ноги. Впрочем, после травмы герой не потерял вкуса к жизни. Наоборот, он открыл для себя массу новых возможностей и, несмотря на свою физическую ограниченность, чувствует себя достаточно счастливым. Но однажды героя изменяет жена — и это сразу превращает его в беспомощного калеку. Актеру приходится воссоздавать целую гамму драматических чувств, не покидая инвалидной коляски.

В фильме «Вторая кожа» Бардем играет гомосексуалиста. Его герой влюбляется в женатого мужчину, что порождает ряд конфликтных ситуаций. Надо сказать, в этой роли актер достигает незаурядной достоверности. Он соглашается на несколько откровенных интимных сцен, их можно расценивать как очередной эксперимент с собственным телом. Лента вызвала волну ожесточенных дискуссий на родине актера. В частности, после ее просмотра несколько мужчин публично признались в своей нетрадиционной ориентации ... Бардем и впредь будет играть гомосексуалистов. В частности, одна из таких ролей принесет ему мировое признание.

Речь идет о фильме Джулиана Шнабеля «Пока не наступит ночь», в котором актер предстал в образе кубинского писателя Рейнальдо Аренаса. Аренас был гомосексуалистом, отчего его и преследовали на родине. Собственно, эта лента прежде разоблачает обратную сторону коммунизма на Кубе, когда людей превращали в послушных винтиков системы — запрещалось любое инакомыслие, а гомосексуализм официально каралось законом ... Хавьер Бардем акцентирует на внутренней силе своего героя и в то же время показывает его телесную беззащитность. Несмотря на пережитое на родине, Рейнальдо Аренас остался верен своим взглядам — он не подчинился системе. Ему удалось эмигрировать в Соединенные Штаты, но и там он оказался в своеобразном гетто нищеты и предрассудков. Наконец, писатель заболел и умер от СПИДа, по сути — в неизвестности. Его книга «Пока не наступит ночь» стала бестселлером уже после его смерти ... Ее экранизация имела большой фестивальный успех. В частности, Бардем получил несколько престижных кинопремий в разных странах. Он даже был номинирован на «Оскара» — таким образом, Бардем стал первым испанский актером, которого оценили Американская киноакадемия.

Впрочем, Бардему удалось умножить этот свой успех. Роль Рамона Сампедро из фильма «Море внутри» по-сегодня считается лучшей в его доработку. Она показала абсолютную победу актера над собственной телесностью. И не только потому, что речь идет о прикованного к постели героя. Кроме прочего, в фильме показано время, когда Рамон Сампедро было уже около шестидесяти лет, а Хавьеру Бардему на момент съемок исполнилось всего тридцать четыре.

Когда актера спрашивают, какие роли его интересуют, он цитирует Мастроянни: «У хорошего актера есть восемь или десять главных персонажей». Бардем считает, что уже сыграл четыре и столько же ему осталось впереди. Возможно, это будут священник, проститутка и еще несколько интересных героев ...

Для Стивена Кинга роман «Кэрри» стал судьбоносным. Он принес писателю первый серьезный гонорар и, тем самым, вытащил его из нищеты. Хотя сам Кинг сомневался, что это произведение сможет кому-нибудь. Он выбросил рукопись в корзину, откуда его вытащила предусмотрительные жена автора.

Фильм «Кэрри» несколько отходит от своего литературного первоисточника. Брайан Де Пальма акцентирует не сколько на сверхъестественных свойствах главной героини, сколько на ее отношениях с матерью. Эта религиозная фанатичка пытается противостоять тому, чтобы ее дочь превратилась в женщину. Страх половой зрелости является здесь определяющим ... Критики назвали эту ленту «Психо» современного поколения ". После ее успеха произведения Кинга сочтут перспективными с точки зрения последующего перенесения их на экран.

Сегодня Стивен Кинг признанный мастер страшилок, король ужасов. О нем говорят, он выпустил ужас по задворках старинных замков и поселил его на современных улицах. В том и секрет, что его героями основном становятся обычные люди.

Писатель почти не меняет место действия — он описывает свой родной штат Мэн, который, кажется, не собирается покидать. Итак, герои Кинга живут обычной повседневной жизнью. Но у каждого из них скрыт свой «скелет в шкафу». И, наконец, автор материализует подсознательные страхи своих персонажей.

Главный герой романа «похудела» — одноименный фильм увидел экраны 1996 года — начинает терять фут за футом и в конце концов не может остановить этот процесс. Казалось бы, объяснение лежит на поверхности и продиктовано рядом сюжетных событий.

Билли Галлек, так зовут главного героя, виновный в смерти дочери старого индейца, и теперь он проклят. Следовательно, его непрерывное худнення — это расплата за совершенное преступление ... Впрочем, может быть и другая трактовка. Билли Галлек боится потерять свою жену. Это, так сказать, подсознательный страх героя, который в конечном итоге сказывается на его невоздержанности в еде. Когда же Галлек начинает худеть, его жена влюбляется в другого ...

В романе «Мизер» — он был экранизирован в 1990 году — речь идет о знаменитом писателе, который становится заложником одного из своих страстных поклонниц. Это также история о подсознательные страхи. В частности, о страхе написать сочинение, хуже предыдущего.
Главный герой Пол Шелдон решает покончить с серией романов «Мизер», которые, собственно, и сделали его знаменитым. Он пишет последнюю книгу, где «убивает» свою главную героиню. Впрочем, напечатать это произведение ему не удается. По дороге в редакцию Шелдон попадает в аварию. Писателя спасает его «поклонница № 1», которая потребует воскресить ее любимую героиню.

У этой женщины также есть свой «скелет в шкафу». В свое время ее бросил муж. Поэтому в счастливых романах Шелдона она нашла компенсацию своем безрадостном существованию.
Стивен Кинг на себе познал, что значит быть преследуемым фанатичными читателями. Однажды в его дом пробрался мужчина, который угрожал писателю взорвать его дом. Эта история произошла после выхода романа «Мизер».

Месть является любимой темой Кинга. Герои этого писателя расплачиваются, или же требуют расплаты за содеянное. Обычно их поступками управляют страхи. Причиной может быть и глубокая эмоциональная травма, полученная еще в детстве. Среди персонажей Кинга немало имеющих сверхъестественную силу, какой-то особый дар.

Биографы Кинга отмечают, что многие выдуманных им историй берут начало в его же детстве. Когда будущем «королю ужасов» было четыре года, его отец оставил семью. Он вышел за сигаретами и не вернулся ... Итак, Стивен Кинг имеет, так сказать, своего «скелета в шкафу». И образ плохого отца является ключевым в его произведениях.

В свое время это метко заметил режиссер Тейлор Гекфорд. В фильме «Долорес Клейборн», снятом по одноименному роману писателя, речь идет о женщине, которая решается убить своего мужа. Теперь для него важно оправдаться перед дочерью. Наконец, девушка прощает матери.

Ночью же — с 20 на 21 января в 01:25 — в аргументе-КИНО экранизация романа Стивена Кинга «Сияние». Писатель объяснял его следующим образом: «Это история отца, который хочет убить своего ребенка. В конце концов, все родители проходят через это »(конец цитаты).

Впрочем, режиссер Стэнли Кубрик несколько изменил акценты. Прежде всего,
он снял мистическую ленту об отеле «Оверлук», в котором оживают приводы прошлого.

Как уже было сказано, автор романа остался недовольным такой трактовкой.

Впрочем, возможно, Стивен Кинг и стал самым экранизирован автором современности именно потому, что его произведения оказывают неисчерпаемых материал для интерпретаций.