— Как Вы получили предложение о работе над «Хрониками Нарнии»? Сразу согласились, были сомнения?

Получила неожиданно. В один прекрасный день мне просто позвонил директор издательства «Проспект» Александр Максимовский (к тому времени мы были уже немного знакомы между собой) и спросил, не хотела бы я взяться за этот проект.

Кстати, при желании можно найти в этом предложении некоторые мистические совпадения: до того я никогда не слышала о Льюиса, но буквально за пару дней до разговора с Сашей натолкнулась в Интернете на пару статей, посвященных цикла «Хроники Нарнии», и очень заинтересовалась этим произведением. Поэтому услышав, что именно планируется переводить, и удивилась, и обрадовалась одновременно. Согласилась сразу, конечно.

— Трудности перевода (желательно с лингвистическими и другими подробностями)?

С точки зрения лингвистики это не был слишком сложный текст. Язык Льюиса простая и сдержанная, иногда вплоть до сухости и суровости, с таким текстом редко возникают чисто технические проблемы. А вот передать неповторимую интонацию текста, передать эту возвышенную строгость, которую время от времени освещает добрая улыбка, не изменить настроение этого произведения славянской красочностью и склонностью к более яркого проявления эмоций, но при этом сделать повесть интересной для украинского читателя — вот это было самым сложным задачей. Хочется верить, что мы с ним справились.

— Удалось, в отличие от голливудской ленты, сохранить христианский дух книги? Ли ставилась такая сверхзадача?

Бесспорно ставилась, так как без этого книга в значительной степени теряет свой смысл. То есть она останется довольно оригинальной и интересной сказки для детей, но эта просветленная суровость, о которой я говорила выше, станет немотивированным, превратится из тонкого, неповторимого настроения на обычный брак художественности. Без религиозного подтекста эта книга перестает быть шедевром, так как гениальность, на мой взгляд, заключается именно в том, что Льюису удалось вложить в свое произведение ненавязчивый, привлекательный образ Бога, образ, который вызывает не страх, а любовь и нежность. Согласитесь, это редко встретишь в христианской литературе. Итак, мы пытались сохранить этот дух, а уж насколько нам это удалось — решать читателям и критикам.

— Российской «Хроники» еще в 1992 году переводили Г. Островская, Т. Шапошникова, А. Бухина, Н. Трауберг, которая, кстати, является глубоким знатоком творчества К. С. Льюиса. Что нового в Вашем переводе отыщет украинский читатель, уже знаком с теми работами?

Так, существует не один перевод на русский язык, однако из приведенных я лично знакома только с работой Островской. Кстати, насколько мне известно, ее перевод осуществлен в 1978 году, а издан уже в 1992. Это накладывает некоторые отпечатки, в частности и на сохранение христианского духа. Вообще, российской переводческой школе в целом характерно довольно вольное обращение с текстом, подавляющее большинство переводчиков демонстрирует невнимание и даже неуважение к авторской интенции. Этот перевод не обошли похожие недостатки.

Приведу простой пример: в тексте есть место, где говорится об одном из главных героев, Эдмунда, и о том, что его нрав начала меняться в худшую «в той гнусные школе ...» Островская же переводит этот момент так: «Там-то, в этой ужасной школе, в компании дурных мальчишек, он и сбился с правильного пути, »самовольно добавляя сюда традиционную для советской педагогики тезис о дурной влияние и существенно викривлюючы суть, потому что из биографии Льюиса доподлинно известно, что в свои школьные годы он всем сердцем не воспринял школьную систему как таковую и с того времени считал школы одним из худших изобретений человечества. Дураки компании здесь абсолютно ни при чем.

Таких мелочей, на первый взгляд незаметных читателю, в тексте можно найти немало, и они в результате ощутимо меняют настроение всего произведения. Вот именно этого в нашем переводе читатель не найдет. Думаю, бережное отношение к авторской лица в тексте — лучшая наша новация.

— Вашим редактором была известна киевская писательница Светлана Поваляева. Расскажите, как Вы с ней работали?

Работали легко и плодотворно:) К счастью, со Светланой мы тоже были уже хорошо знакомы до начала работы, и это существенно облегчило задачу. Никто не отстаивал свое без надобности, никто не стремился оставить за собой последнее слово. Я уже немного знала редакторские способности Светланы, знала ее сильные стороны, доверяла ей, например, в выборе колоритной украинской лексики — в этом она непревзойденная. Единственной проблемой было сдерживать писательскую душу от естественного поезда добавить Льюису красок и страсти — зная собственные тексты Светланы, можно только представить, какое гнетущее впечатление она на нее сухость оригинального стиля:) Но ничего, мы, кажется, справились.

— Украинский язык в течение многих лет была законсервирована. С одной стороны, это плохо, но с другой, это помогло ей, в отличие от российской, сохранить первоначальную чистоту и избежать давления глобальной утилитарности. Что Вы можете сказать по этому поводу как профессиональный филолог?

Я вообще не вижу ничего хорошего в процессе языковой консервации. Как отличить первоначальную чистоту от устарелости и недоразвитости? Если смотреть на украинском языке как на экзотическую, но непригодную к употреблению драгоценность, должна лежать спокойненько себе под стеклом в музее, — тогда консервация, конечно, на пользу. Но если рассматривать его как язык национального общения, то о каком избежания давления глобальной утилитарности может идти речь? Я не вижу ничего плохого ни в большом количестве иноязычных заимствований, ни в изменении языка по стандартам современного мира — это делает язык живой, а значит, прекрасна. Хотя это лишь моя частная точка зрения, ведь украинским интеллектуалам часто присуща страсть к мертвому — мертвых классиков, мертвых языков...

В этом лагере строгого режима в 1934—1939 годах были заключены тысячи украинских интеллигентов, профессионалов, священников и студентов из украинских земель, что между первой и второй мировыми войнами находились под польской оккупацией.

«Береза Картузская» — это документ судьбы более пяти миллионов украинского, которые вследствие политической забавы алиянтив в Версале оказались между 1920—1939 г. в пределах польского государства.

Это упоминание о Западно-Украинская Народная Республика 1918—1920 гг, которую на том мирном договоре в Париже были лишены независимости и передано чужому владению.

На чисто человеческом уровне это произведение боли сына, чьего отца унижаемый и физически побивано в этой тюрьме за то, что он — украинский интеллигент, патриот и потенциальный защитник прав своего народа.

Наконец, это проявление гражданского и нравственного долга украинской вне родины сделать то, чего на родине его отца еще ни делается — документировать свою историю — не для мести за совершенные обиды, но за человечный завтрашним день.

Режиссером и продуцентом «Березы Картузской» является монреалець Юрий Луговой, член Академии канадской кинематографии и телевидения, известен своим документальным фильмом «Свобода дорогой ценой» (Freedom Had A Price, 1994) — о интернирования канадских украинский, бывших граждан Австро-Венгрии во время Первой мировой войны и документальным фильмом в соавторстве со Славиком Новицким «Жатва отчаяния» (Harvest of Despair, 1984) — о Голодоморе-геноциде в УССР 1932-33р. Оба фильма, важные своему историческому значению (они были первыми на эти темы), получили более 12 международных наград.

Фильм «Береза Картузская» основан на показаниях бывших узников этого лагеря, которые проживали в Канаде и США; на материалах государственных архивов Киева, Львова, Варшавы, Минска и на диаспорных архивах; на архивных фильмовый картинах и фотографиях, включая современными, снятыми для фильма на месте нынешнего лагеря; и на интервью с преподавателями американского, канадского и польского университетов и с белорусским писателем. Главный материал — это свидетельство заключенных (мужчин и женщин) и рассказы режисерового отца.

На создание этого 55-минутного фильма было потрачено свыше двухсот тысяч кан. долларов. Часть поступила от канадской Фонда Тараса Шевченко, от кредитных союзов Монреаля (Caisse Populaire Ukrainienne) и «Будучность» Торонто и от читальни «Просвита» в Лашин (Квебек) и монреальского Украинского Национального Объединение (УНО). Большинство фондов были приобретены стараниям продуцента фильма, его сотрудников и из собственных семейных сбережений.

Во кинематографическим осмотром — отбора, оформления отдельных сцен и кадров и самой композиции — этот фильм возвышенно до мастерского, художественного и поэтического уровня неожиданными контрастными сценами и самими признаниями заключенных. Фильм перетканные точными метафорами — ночи, одинокого трамвая на улице неизвестного города в темную дождливую ночь, дождевой ливни со своей символикой и слез, и очищение, или даже такой метафорической сценой, как стая испуганных гусей. Все это по-довженковский то контрастирует или вплетается в предыдущую сцену, в ее настроение и главную мысль фильма. Монтажом болезненных показаний заключенных об издевательствах лагерных наставников-алкоголиков-садистов над молодыми идеалистами; признаний, переплетенных упреками, юмором и уничижительными ремарками в адрес своих наставников и самого правительства Юзефа Пилсудского режиссер достиг нелегкого в документальном фильме развития сюжета и рост драматического напряжения. Это напряжение режиссер прерывает сценами расслабления и окончательного катарсиса зрителя.

Всю пятилетнюю историю этого печальной памяти лагеря, сам ставший метафорой насилия над людьми и народом, заключены в более широкий европейский политический контекст легкомысленных шуток победителей, и как доказательство, что ничто в человеческих отношениях не меняется и никого ни к чему не обяз 'единомышленниками. Так же трагически не меняется человеческая вера в справедливость и надежда, что зло прошлого никогда не повторится.

Атмосферу и драматизм фильма усилена удачным музыкальным сопровождением молодежи Тернопольской-киевского композитора Романа Лугового и художественным чтением дикторского текста киевским актером Богданом Бенюком.

Фильм «Береза Картузская» завершается упадком Польского государства в сентябре 1939 года, а с ней и концентрационного лагеря «Береза Картузская». После побега «всемогущей» лагерной стражи ночи — разбегаются и заключенные. Найдя польские списки заключенных, советская служба НКВД, которая взяла власть над Галичиной, многих из них вылавливает и бросает в свои тюрьмы. С взрывом немецко-советской войны в июне 1941 года НКВД, убегая от немцев, этих заключенных

XX века, со всем его трагизмом, катастрофами, модерновым вывихом сознания открыл Лесь Курбас, которому удалось обновить украинский театр, погрузить его вглубь европейских процессов, вместе с тем выведя формулу национального театра и воспитав интеллектуального актера. И все это на фоне социальных и революционных потрясений...

Закрыл это переломный века и в то время открыл следующий, не менее драматическое XXI, Львовский молодежный театр, основанный в 1988 году, позже взял название своего идейного предшественника Леся Курбаса. Именно он пытается собрать воедино постмодернистский мир, разбитый на множество нарративов, вернуть целостность и гармоничность человеку, чье сознание возбуждено деструктивными процессами, человеку, который потерял опору.

Все это достигается путем ритуала, возвращение к первопричин и первооснов, когда театр превращается в акт особого священнодействия.

Экспериментальный, поисковый, интеллектуальный, импровизационный, игровой, позиционный. В театроведческий литературе можно подобрать еще множество определений, но каждое из них будет раскрывать лишь определенный аспект театра. Целостная картина — чувствуется, переживается непосредственно внутри самого процесса преобразования действительности. И зритель является его элементом.

Поисковый. Что именно ищет театр? Что уже нашел? Благодаря чему и для чего? Владимир Кучинский и актеры театра прежде всего ищут новый язык, художественную и театральную. «Феномен театра им. Л. Курбаса в том, что в поисках нового художественного языка, как и

нового способа мироощущения и миропонимания, он развил поиски в направлении театральных методик, предоставив творческому процессу рода научного исследования источников театрального акта — так способ существования вылился в идеологию, которая стала основой методологии, а работа над материалом — воплощением идеи театра как духовной практики »1. В значительной степени сам поиск и имеет смысл, поскольку это процесс самосовершенствования, работы над собой, это процесс познания, и очень важно, чтобы он не останавливался.

Форму заказа есть своеобразные тренинги, в которых актеры сами раскрываются путем работы над голосом, пластикой. Но в тренингах мало театральности, это — настоящая философия, даже религия. Здесь достигается переплетением ритуальности и мистериальности обменом кинетической и потенциальной энергии, чем в свое время занимался и Лесь Курбас.

«Дух, энергия, жизнь находятся в актере. Актер, будто лепят из глины нового человека, должен родиться живой функциональный организм, полноценный, жизнеспособное. Ты ему помогаешь, рассказываешь, какое оно должно быть, складываешь руки, ноги. Я говорю, что это должно будет так, но больше сам актер это делает », — говорит В. Кучинский 2.

Подготовленный тренингами, актер выходит на сцену будто и персонажем, но, поскольку процесс познания продолжается и во время спектакля, актер отмежевывается от своего персонажа, обнажается до исходного состояния актера. Да и спектакль не является конечной целью. Главное — раскрытие индивидуальности актера.

Поскольку актер находится в постоянном процессе поиска, можно говорить о том, что каждый спектакль той самой постановки будет разной. Этот театр, как уже отмечалось, — импровизационный, игровой. В чем заключается игра? Она связана с поэтикой постмодернизма, но также не чурается барочных принципов построения композиции, основанный на сочетании антитез. Игра имеет деструктивный характер, она шокирует, убивает, далее через ритуал рождает уже очищено понимание, «исцеляет, гармонизирует, подносит к единению с вечностью».

Игра происходит исключительно по законам театральности, даже философия спектаклей нередко подчиняется языке театра. Так, дидактика «Благодарного Эродию» развеивается под влиянием пластического рисунка, голосовых вибраций, визуальной картинки, гармоничностью ансамбля, искусно выстраивается на кону. Ни один жест, взгляд, слово не является излишним или недоработок. Актеры (А. Водичев, О. Стефан, А. Цьона, Н. Пархоменко, Т. Каспрук), излучая мощную энергетику, кажется, сами наслаждаются действом на сцене, поскольку это уже не просто спектакль, а ритуал, в который посвящены и зрители .

От украинского философа XVIII в. В. Кучинский движется к основам европейской культуры — философии Платона. «Хвала Эросу» — это сочетание актерского мастерства, интересного режиссерского решения постановки, концентрации общечеловеческих ценностей, юмора, античной детскости, игры, гармонии. Огромные монологи кажутся легкими благодаря, во-первых, актерскому таланту А. Водичев, М. Подоляк, А. Кравчука, О. Цьоны, М. Березы, А. Стефана, во-вторых, целесообразным вкраплением песни, танца, которые выглядят аутентичными. Декорации, ритм, ансамбль — все создает иллюзию фрагмента по росписи античных ваз. Иллюзию какой-то особой праздничности, приподнятости. И даже не иллюзию, а атмосферу. Ведь высокая любовь — это начало всего, первоисточник и путь к божественному, к гармонии, целостности, красоты, счастья.

Еще одна любовь, но уже конкретная и современная, еще один путь к божественному, путь наверх, все выше и выше, этаж за этажом, до последнего. К блаженства. И до смертельного взрыва. Все это в постановке «MA-NA HAT-TA» за радиопьеса Ингеборг Бахман. Среди персонажей — циничный Добрый бог с Манхэттена (О. Стефан), влюбленные из слащаво-трагическим привкусом (М. Береза, Н. Пархоменко), неудержимо-сдержанный судья (А. Цьона), «бешеные, энергетические» белки (А. Мануйлов, Д. Соколов) и небоскребы (сценография — В. Кауфман). Все это сочетается в драматически-эротическом танце боли, картонной одиночества, беспокойства, удушья.

Наряду со спектаклями философскими курбасовцы показали историческую постановку «Богдан». Или неисторическая? Ведь подзаголовок спектакля — «неисторическая хроника». Постановщик акцентирует не на исторических событиях как таковых, они — лишь фон, на котором мы видим человеческий характер, неоднозначный, противоречивый. В. Кучинского интересовало, «где скрыта воля — где-то вне или внутри человека? ... воля у каждого внутри, и никто не может заставить свободного человека стать несвободной. Или она что-то о себе не знает ».

Гастроли завершила философско-лаконичная «В ожидании Годо", которая оставляет надежду на то, что Владимир (О. Стефан) и Эстрагон (А. Кравчук) все же дождутся. Кого они каждый день выглядят в этой пустоте протяжении всей своей жизни? Какие роли играют? И не устают играть, не устают надеяться. Пространство сцены заполнен пустотой. В ней — потерялись двое бродяг и еще двое абсурдных персонажей: Поццо (О. Цьона) и Лакки (М. Береза). Второе измерение этой пустоты — на экране, где герои тоже бегают, играют, ищут, ждут. Но пока не находят. Но все равно двигаются. По кругу, но двигаются и не теряют надежды. Они смешные, но почему смеха не вызывают.

В целом Львовский театр им. Леся Курбаса вызывает некий душевный и интеллектуальный спазм. Возможно, это и есть то чувство посвячености, прикосновения к сакральному, постоянного умирания-рождения, а впоследствии — гармонии и целостности.

«Когда все шатается, то можно спастись только медитациями Сковороды или интеллектом Леси Украинский. Когда все хорошо, то думаешь, как бы развлечься. А когда все рушится — берется самое главное ». В. Кучинский.

В этом научно-фантастическом триллере речь идет о инопланетном вторжении на нашу грешную землю. И эта лента 1982 года — один из тех, что дали художественную кинематографическую почву для знаменитых «Х-файлы», телесериала «Совершенно секретно» ...

Немного о кинорежиссере. Элан Рудольф родился в Лос-Анджелесе 1943-м году и рос в кинематографической среде. Впоследствии в разных ипостасях сотрудничал с Робертом Олтменом. В частности, писал сценарий для его фильма «Буффало Билл и индейцы», а также сыграл самого себя — в числе других знаменитых голливудчиков — в сатирической картине «Игрок».

Наконец, в режиссуре зарекомендовал себя в качестве одного из самых последовательных постмодернистов американского кинематографа, а также как истинный экспериментатор. В своих картинах он создает особый искусственный мир, придуманный среду, в которой удивительным образом сочетаются элементы «черного фильма» 40-х годов, фантастики, вестерна и драмы. Он мастер виртуозных сюжетных ходов и иронических подтекстов.

На наших экранах в свое время демонстрировался один из самых удачных фильмов Элана Рудольфа — «Модернисты». Там он попытался воссоздать атмосферу Парижа 1920-х годов — столицы международного модернизма. Вымышленные персонажи действовали Среди исторических — Эрнеста Хемингуэя, Скотта Фитцжеральда, Гертруды Стайн ... После «модернистов» режиссер создал еще одно подобное ретро, где отреставрировал другое творческая среда — это уже Нью-Йорк периода 20-х годов ХХ века. Кстати, в этой картине, которая называется «Миссис Паркер и порочный круг», одну из эпизодических ролей (российского режиссера) сыграл наш Григорий Гладий.

В программе будет демонстрироваться сюжет, где речь будет идти о вторжении инопланетяне ... в мировой кинематограф.

«После работы» / After Hours

«После работы» — достаточно нехарактерна, как для творчества этого режиссера, экранная работа. Это история программиста Пола Геккета, что он случайно попадает в чужой для себя мира — в богемный квартал Сого, что в нижнем Манхэттене, собственно, в Нью-Йорке. По вине трех странных женщин тихий рядовой яппи переживает одну из найстрахитливиших ночей в своей жизни ... Смешная, жестокая, эксцентрическая, печальная, сюрреалистическая черная комедия.

Сценарий картины был написан студентом кинофакультета Колумбийского университета Джоном Минионом. Собственно, это его плановая студенческая работа. Воплощенная Мартином Скорсезе в фильм, она дала режиссеру ряд почетных призов, признание критики, но холодноватую реакцию рядовых зрителей.

Последние не захотели разбираться в многочисленных метафорах и улавливать тонкие намеки в откровенно фарсовых сценах. И не оценили должным образом самоотверженности создателей картины: вот, скажем, режиссер — чтобы актер Гриффин Данн достиг надлежащего уровня напряжения — запрещал ему даже спать и приказал воздерживаться от секса ...

Мартин Скорсезе остается одним из самых активных и самых оригинальных американских кинорежиссеров вот уже на протяжении сорока лет — первую полнометражную ленту он снял именно 1967-го ... Кстати, в зимнем (32) числе KINO-KOЛА речь идет об уже упомянутых «Отступников», где главные роли сыграли Леонардо ДиКаприо и Мэтт Деймон. За эту работу Скорсезе уже получил «Золотого глобуса» — приз иностранной кинопрессы, аккредитованной в Голливуде. Киножурналистов со всего мира еще раз его признали лучшим режиссером сезона. В предвкушении «оскаровских охоты» в аргумент также развернута рассказ о творческом пути Мартина Скорсезе.

И его успех связывается именно с именем Чжана Имоу. Картина этого режиссера «Красный гаолян» 1988 года стала сенсацией на Берлинском международном кинофестивале. В фильме речь идет о событиях китайской истории тридцатых-сороковых годов двадцатого века. Начинаясь как история любви, фильм, наконец, рассказывает об оккупации Китая японскими войсками и попытку местных крестьян сопротивляться завоевателям. «Красный гаолян» стал программной картиной для Чжана Имоу.

Отныне он будет снимать почти исключительно семейные истории, фильмуватиме о китайской прошлое и вообще станет одним из самых «китайских» режиссеров в мире. Таким, что для него отечественная проблематика заступать все остальное. В конце концов, именно в «Красный гаолян» дебютирует Гун Ли — тогда еще студентка, — которая впоследствии станет популярной азиатской киноактриса в мире, а также музой Чжана Имоу.

Истинный триумфом режиссера и актрисы оказалась картина 1991 года «Зажги красный фонарь». В фильме речь идет о четвертой жене китайского богача, что та вынуждена вести борьбу за выживание во враждебном мире жестоких древних традиций. Лента проявит чувствительность Чжана Имоу до традиционного положения женщины в китайском обществе, и именно этот сюжет станет одним из основных в его творчестве. Вместе с тем на картине «Зажги красный фонарь» в полной мере проявятся художественные вкусы Чжана Имоу.

Кристаллизуется его визуальный стиль, главное место в котором будет занимать цвет. В прошлом кинооператор, Имоу в этой киноленте противопоставит синий и красный цвета, которые будут воплощать чувства отчуждения и любви. «Зажги красный фонарь» является как бы картиной о пребывании внутри китайского иероглифа, существование которого подчинено тысячелетним традициям, и из которого нет выхода. Еще одна семейная история Чжана Имоу имела большой фестивальный успех, в частности, в Канне, где в 1994-м получила Гран-при (кстати, на пару с фильмом Никиты Михалкова «утомленные солнцем»). Это картина «Жить», что она некоторым критиками рассматривается как наиболее зрелая в творчестве кинорежиссера.

События фильма растянулись на три десятилетия — от тридцатых до семидесятых годов двадцатого века. Это был чрезвычайно бурный для Китая время — сначала гражданская война, а со временем правления Мао Цзэдуна, которое превратило жизни обычного китайца на ряд серьезных испытаний. Герой ленты управляется одним простым правилом: «Жить!». Однако соблюдение этого правила оказывается почти недосягаем и для него, и для его семьи. Официальные власти Китая не была в восторге от картины Имоу, режиссера критиковали, но все же и далее позволяли снимать кино. Несмотря на фестивальный успех и прекрасную прессу, ленты Чжана Имоу практически не выходили в широкий международный коммерческий прокат.

Многие из кинокритиков считает, что это лучший фильм Клинта Иствуда-режиссера. «Птица» он создал в 1988 году. И это — история жизни легендарного афро-американского саксафониста Чарли Паркера.

Джаз — является страстью Клинта Иствуда. Картину о Чарли Паркере он снял с пониманием, большим уважением и любовью, собственно, к джазу. Режиссер предоставляет внимание малейшим деталям в жизни и характере гения джаза по прозвищу «Птица». Именно так Чарли Паркера прозвали через (ничего поэтического) его гастрономическую страсть к жареных цыплят. Вообще же, в жизни Паркера, как часто это бывает у людей чрезвычайных, всего было чересчур — пищи, секса, алкоголя, наркотиков и, конечно же, музыки. От этого излишне Чарли Паркер, наверное, и умер всего-навсего 35-летним. Но оставил по себе бессмертную — прежде всего художественную — славу.

За ленту «Птица» Клинт Иствуд получил «Золотого глобуса» как лучший режиссер. Также в картине «Оскар» за лучший звук и технический Гран-при Каннского фестиваля, собственно, за лучший саундтрек. Ну а исполнитель главной роли Форест Витекер в Канне был признан лучшим актером. Тот же Витекер, который в этом году имеет «Оскара» за главную роль в фильме «Последний король Шотландии».

«Птица» Клинта Иствуда — это, в конце концов, не традиционный биографический фильм, а некое импрессионистическое исследования жизни и музыки легендарного саксафониста ... Вообще же, когда несколько лет назад у режиссера спросили, можно в общих чертах сформулировать — о чем его фильмы, и он сказал так: "Там все про мечтателей, о людях, которые живут в вымышленном мире. О тех, кто прислушивается к своим инстинктам. Но все эти герои такие, которые живут на периферии общества. На обочине. И даже если вы захотите отправиться на их поиски, то вряд ли их найдете "... Ну а про современный Голливуд, оказывается, Клинт Иствуд сказать почти ничего. Он подчеркивает, что снимает картины для взрослых и не работает для молодежной аудитории, исключительно интересами которой занимаются современные голливудские студии.

В программе два сюжета: о творчестве Клинта Иствуда-режиссера и о творчестве Фореста Витекера-актера ...

Джек Николсон перевоплощается в некоего Уоррена Шмидта — мужчину, который после шестидесяти пяти отправляют на пенсию, у которого умирает жена и который после всего теряет смысл жизни. Он пакует чемоданы и отправляется в далекое путешествие на свадьбу дочери, которому также не рад. Шмидта преследуют мысли о смерти. Но в пути происходит то, что меняет ситуацию Шмидта корне ...

В последний в этом телесезоне программе АРГУМЕНТ-КИНО в центре внимания будет, как не трудно догадаться, Джек Николсон. Тот самый, которого журнал «Тайм» назвал "человеком с улыбкой акулы. Тот же Николсон, что он в апреле этого года отметил свой семидесятилетний юбилей — и не прекращает сниматься!

Последняя лента, в которой мы его видели — не больше и не меньше, как «Отступники» Мартина Скорсезе — нынешний оскаровский триумфатор. И стоит отметить, что Николсон в этом виртуозном фильме, в этой перфектной киноработе потребовался Скорсезе, собственно, как абсолютный кинопрофессионал. Так сказать, профессионал — это второе его имя! ...

На сегодня Николсон появлялся на экране 71 раз. Он имеет сценарный и продюсерский опыт. Как режиссер поставил несколько фильмов, и довольно умело. А как истинный американец - срежиссировал (под себя в главной роли) драйвового вестерна "На Юг ! "... Но, так или иначе, Джек Николсон прежде остается уникальным актером, за ним следить интересно всегда — в каком бы фильме он не появился. В конце концов, остается согласиться с мыслью: Николсон является одной из немногих современных кинозвезд, которая способна произвести впечатление на любого человека ... Попутно Игорь Грабович подготовил отдельный сюжет о некоторых аспектах творчества актера.

Ну а фильм «о нас» — извечная тема, извечная человеческая проблема: поиск смысла жизни. Что ж, не теряйте смысла жизни и ... лета!

Такая вот маленькая шутка накануне Хеллоуина. Но американцам было не до смеха. Почти все население северо-восточного побережья страны охватила паника. Тысячи людей, поверив в начале войны, оставили свои дома. Местные власти несколько недель не могла их успокоить.

В девяностых годах сценарий этой радиопостановки выкупил Стивен Спилберг. На его основе он и снял 2005 свою версию «Войны миров». Впрочем, эта картина соответствует общепринятым законам игрового кинематографа. Это, так сказать, традиционная научная фантастика, которая не пошиваеться в документ.

Жанр мокументари расцвет на экранах в восьмидесятых годах, когда в Америке произошел настоящий бум телевизионных развлекательных программ — телевидения тогда встал в центре жизни едва ли не каждого американца, диктуя ему свои правила. И, собственно, самое распространенное мокументари этого периода является пародией на телевизионный стиль. Идею жанра можно объяснить следующим образом: если телевидение иногда позволяет себе фальсифицировать факты и представить псевдогероев, почему бы не сделать открыто — то есть провокационную фикцию выдать за реальный факт, и хорошо по этому посмеяться?

Так, в 1984 году Роб Райнер, Кристофер Гест, Майкл МакКин и другие придумали музыкальная группа «Спайнел Теп» и сняли о нем фильм. Причем сами и исполнили главные роли. Например, Гест играет гитариста Нейджела. Лента «Вся правда о« Спайнел Теп »рассказывает о горе-рокеров, которые отчаянно пытаются вернуть себе былую славу ... Фильм приобрел популярности, а его персонажи получили статус культовых героев. Вскоре появилось продолжение. Таким образом, ленты «Спайнел Теп»: дыхание, как ветер »и« Спайнел Теп »: финальный тур» закрепили успех жанра «мокументари».

Собственно, знаменитый ныне фильм «Борат», который в прошлом году чуть не поссорил Казахстан и Соединенные Штаты, также наследует стилистику, что ее начала команда «Спайнел Теп». Впрочем, не все верят в псевдодокументальнисть этой ленты. Слишком достоверными выглядят некоторые ее сцены.

На постсоветском пространстве также есть примеры кинематографического жанра мокументари. В частности, речь идет о фильме российского режиссера Алексея Федорченко "Первые на Луне», в котором сфабриковано полет советских космонавтов на Луну, что он якобы состоялся 1938 года. Как известно, в соответствующей прессе все еще продолжаются ожесточенные споры относительно факта пребывания на «Спайнел Теп» Луне американца Нила Армстронга. Существует версия — вроде видео его полета на самом деле было имитировано Голливудом ... Итак, Алексей Федорченко, следуя американцев, решился на свою провокацию. Впрочем, представленная им история имеет несколько другой подтекст. Режиссер пытается не просто сфабриковать факты, а прежде всего проанализировать, как разворачивалась бы такая ситуация в тоталитарной стране со всеми вытекающими последствиями. И, по сути, этот фильм является не только розыгрышем, но и социальной драмой ...

Знаменитый фильм «Блерська ведьма: курсовая с того света», на который было потрачено около 20 тысяч доляро, а принес более двухсот миллионов прибыли, также созданы в жанре мокументри. Правда, это едва ли не единственный случай, когда во псевдодокументальный кино было адаптировано гороря ... В фильме речь идет о трех студентов, которые решили сделать фильм о Блерську ведьму и бесследно исчезли. Остались лишь метры, вроде отснятой ими пленки ... Ленте предшествовала активная рекламная кампания, которая, по большому счету, и обеспечила ей те колоссальные прибыли. Авторы поставили себе целью как можно больше рассказать о вымышленной ними ведьму, сделать ее максимально достоверной — до того еще и сняли псевдодокументальный фильм «Проклятие Блерськои ведьмы». Расчет был прост: чем лучше зритель будет знать предысторию, тем больше он будет верить и тем сильнее будет его страх ...

28 октября в аргументе-КИНО — фильм «Могучий ветер», так сказать, уже классика американского псевдодокументальный кино Кристофера Геста. Очевидно, эта лента-розыгрыш посвящена всем, кто ностальгирует по романтическими шестидесятым, но при этом умеет отличать правду от лжи и имеет хорошее чувство юмора ...

Как и спродюсированная им картина «Ровно после полудня», которая в начале пятидесятых стала своеобразным вызовом американскому конформизме. Конфликт, он двигает действие ленты, был близок и самому Креймер. Подобно герою Гэри Купера, который не побоялся встретиться с убийцей лицом к лицу, Стэнли Креймер не подвергся запрету сотрудничать с опальными кинематографистами, обвиненными в антиамериканской деятельности. Такое поведение было неотделимо от жизни Стэнли Креймера, который никогда не уступал принципами.

В пятидесятых-шестидесятых годах фильмы Креймера стали воплощением истинной серьезности в отношении к жгучих проблем современности. Одна из таких лент — «Те, которые не склонили головы» — рассказывает о побеге из тюремного автобуса двух заключенных: чернокожего и белого, что скованы одной цепью. Между ними не раз вспыхивает спор, однако герои находят общий язык. В этой картине большое значение имеет диалог и актерская игра — две главные составляющие кинематографа Креймера; однако не меньшее внимание уделяется действия.

Режиссер достигает максимальной достоверности в показе и психологического состояния заключенных, и их телесного существования. Его фильм — одновременно реалистическая драма и полна символичности притча.

Стенли Креймер был достаточно амбициозным кинематографистом — каждую свою ленту он снимал с максимальным творческим напряжением. Режиссер пытался делать фильмы, которые бы стали эталонными для своих жанров. Так произошло и с комедией «Этот безумный, безумный, безумный, безумный мир», вышедшей на экраны в 1963 году.

«Это должна быть самая смешная комедия в мире,» — говорил постановщик. Сбылись слова Креймера или нет, но эту картину помнит не одно поколение зрителей. Даже сегодня она поражает воображение грандиозностью замысла и исполнения. «Безумный мир» стал одним из самых влиятельных и коммерчески успешных фильмов Креймера — фильм копировали по обе стороны океана. Впрочем, режиссер и в комедийном жанре не изменил себе — он снял картину с «посланием», создав модель американского общества, одержимого наживой.

Одна из предпоследних картин Креймера — «Принцип» Домино "- вышла на экраны в конце семидесятых, когда социальное кино постепенно становилось архаикой. Однако Креймер удалось найти в тогдашней реальности определенные универсальные принципы, которые продолжают лежать в основе политической деятельности или не всех государств. Речь идет о всевластия специальных служб, которые всегда хотят контролировать общество. Со времени выхода на экраны «Принципа» Домино "прошло более двадцати лет, но фильм отнюдь не выглядит устаревшим — и через собственную проблематику, и через особый реализм, присущий всем лентам этого кинематографиста.

25 ноября в аргументе-КИНО один из наиболее выразительных и убедительных картин Креймера-продюсера и режиссера — «Корабль дураков». Созданная после Второй мировой войны, она является попыткой разобраться в причинах катастрофы, которая очень повлияла на человечество. Стенли Креймер не приводит каких-либо политических аргументов, он просто создает целую галерею персонажей, которые не чувствуют приближение тяжелых испытаний, более того — не хотят в них поверить. «Корабль дураков» — это история на все времена. Она отражает веру человека в то, что зло ее не тронет. В таком случае, все человечество — правдивый корабль дураков ...